martes, diciembre 21

Los TopTen de 365

Estamos en época de recontar y hacer balance. Esta vez no haré ninguna promesa incumplible para el próximo año. Seguiré viendo cine y comentando en este sitio que comenzó el 1 de enero de 2010.

Mientras me planteo estrategias para ver 365 películas en el 2011, aquí les dejo los TopTen de las películas que posteamos este año.

¡Felices Fiestas!


TOP TEN FICCIÓN
  1. Le chant des mariées (Karin Albou)
  2. Inception (Cristopher Nolan)
  3. Let the right one in (Tomas Alfredson)
  4. Nadie sabe nada sobre gatos persas (Bahman Ghobadi)
  5. Copie conforme (Abbas Kiarostami)
  6. The social network (David Fincher)
  7. Un prophète (Jacques Audiard)
  8. Alle anderen (Maren Ade)
  9. De Helaasheid der dingen (Felix Van Groeningen)
  10. Celda 211 (Daniel Monzón)

TOP TEN DOCUMENTALES
  1. Los ojos de Ariana (Ricardo Marcián)
  2. Waltz with Bashir (Ari Folman)
  3. Anvil! The Story of Anvil (Sasha Gervasi)
  4. Videocracy (Erik Gandini)
  5. Exit trough the gift shop (Banksy)
  6. The cove (Louie Psihoyos)
  7. Who the #$&% is Jackson Pollock? (Harry Moses)
  8. Sister in law (Kim Longinotto y Florence Aysi)
  9. Pecados de mi padre (Nicolás Entel)
  10. Babies (Thomas Balmes)

TOP TEN SOUNDTRACKS
  1. Nadie sabe nada sobre gatos persas (Bahman Ghobadi)
  2. Where the wild things are (Spike Jonze)
  3. Le concert (Radu Mihaileanu)
  4. Anvil! The Story of Anvil (Sasha Gervasi)
  5. Te creís la más linda (pero erís la más puta) (Juan Sandoval)
  6. The soloist (Joe Wright)
  7. The haunted world of El Superbeasto (Rob Zombie)
  8. Invictus (Clint Eastwood)
  9. La cantante de tango (Diego Martínez Vignatti)
  10. Crazy Heart (Scott Cooper)
    
TOP TEN VISITAS 2010
  1. Metrópolis (Fritz Lang)
  2. The Expendables (Sylvester Stallone)
  3. La historia del camello que llora (L. Falorni y B. Davaa)
  4. Not quite Hollywood (Mark Hartley)
  5. 300 (Zack Snyder)
  6. Cuatro litros por tonel (Belimar Román)
  7. Dialogue avec mon jardinier (Jean Becker)
  8. Schubert en el nudo 3 (G. Peretti y P. de Laguarigue)
  9. The social network (David Fincher)
  10. Cus cús (Abdel Kechiche)


    lunes, diciembre 20

    Wikileaks y el poder de la información

    Wikileaks es una de las organizaciones de las que más se habla en los últimos tiempos debido a la cantidad de información confidencial que ha hecho pública, especialmente documentos del Gobierno de Estados Unidos sobre la guerra de Iraq. A manera de broma, muchos opinan que Wikileaks no revela nada nuevo, que es  información conocida por el mundo. Sin embargo, poner las pruebas al alcance de la opinión pública y dejar en duda la vulnerabilidad del sistema de seguridad de los organismos estadales, es su principal hazaña.

    WikiRebels. The Documentary es un documental producido por Bosse Lindquist y Huor Jesper para la televisión sueca SVT. En 57 minutos se cuenta la historia de este nuevo “actor político mundial” y su creador, el australiano Julian Assange, el llamado "Llanero solitario de la cyber-información".

    Con seguidores y opositores en todo el mundo, Assange ha llevado la libertad de información a sus límites. Desde los 21 años anda haciendo de las suyas como hackers y hoy día enfrenta varias demandas judiciales, incluso por violación y acoso sexual a dos mujeres.

    Con la reciente publicación de información sobre torturas y asesinatos a civiles en la guerra de Iraq, Wikileaks he revolucionado el mundo. En WikiRebels se reproduce el controversial video, publicado en abril de 2010, en el que militares estadounidenses disparan contra un grupo de hombres y matan, entre ellos, a dos periodistas de Reuters. Assange fija su postura política y dice que hay dos razones para que los militares gringos atacaran a estos hombres: una, “porque es divertido matar gente… si has estado en ese ambiente, abstraído de los de los efectos de matar gente por un tiempo prolongado. Es un videojuego, como en la escuela”. Dos,  “alardean después de una matanza. Alardean sobre cuánta gente mataron”.

    Wikileaks y Assange aparecen en todos los medios. Los integrantes de la organización alegan creer en el poder de la información y en el poder del conocimiento. Pero también se ha dicho que Wikileaks es una estrategia del gobierno norteamericano para “mover sus piezas”.

    Lo cierto es que es muy temprano para sacar conclusiones, ya que esta historia apenas comienza y Wikileaks se prepara para otro ataque informativo. Mientras tanto el documental WikiRebels. The Documentary -más bien un reportaje periodístico- muestra un resumen del camino recorrido por Assange y sus seguidores.

    Aquí se puede ver completo:


    *El poster es de http://naranjasdehiroshima.blogspot.com

    sábado, diciembre 18

    Yo quiero tener un millón de amigos

    Estaba negada a ver Red social, a pesar de que el director es David Fincher. Pero los comentarios y críticas en la red son tan atrayentes que opté por la película.

    The social network es número uno de la lista de Entertainment Weekly y el Chicago Sun Times, puesto ocho en la lista de Cahiers du Cinéma, dos en el Top 25 del The New Yorker y en el top 50 de la revista Film Comment. (www.otroscines.com). A esto se suma la cantidad de premios a la que ha sido nominada y los que ha recibido.

    Esta es la sinopsis: “Una noche de otoño del año 2003, Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg), alumno de Harvard y genio de la programación, se sienta a su ordenador y con empeño y entusiasmo comienza a desarrollar una nueva idea. En un furor de blogging y programación, lo que comenzó en la habitación de su colegio mayor pronto se convirtió en una red social global y una revolución en la comunicación. Seis años y 500 millones de amigos después, Mark Zuckerberg es el billonario más joven de la historia. Pero para este emprendedor, el éxito ha supuesto complicaciones personales y legales”.

    Facebook tiene más de 500 millones de usuarios activos que gastan más de 700 mil millones de minutos por mes navegando en el sitio. Pareciera que el furor de la película en internet y las salas de cine fuera precisamente por el tema de la “red social”, pero realmente es un drama atrapante sobre el tema de la aceptación y las ganas de pertenecer.

    Las actuaciones son excelentes, especialmente la de Jesse Eisenberg como Mark Zuckerberg. El guión, basado en el libro The Accidental Billionaires de Ben Mezrich -adaptado por Aaron Sorkin (The West Wing)- es acelerado y honesto, crudo y simpático. Los diálogos son de los mejores de esta época. La vida, dentro o fuera de Harvard, es compleja y siempre habrá que sacrificar "algo" para tener "lo otro".

    Quizás no sea tan fuerte como Fight Club o Seven, pero Red social es un retrato de toda una generación, de los llamados prosumidores de internet. Bravo por Fincher.

    El eslogan de promoción de la película es “No se hacen 500 millones de amigos sin hacer unos cuantos enemigos”… yo sólo quiero tener un millón de amigos.
     

    viernes, diciembre 17

    Los infortunados Strobbe


    De Helaasheid der Dingen (The Misfortunates) tiene todo el encanto de Billy Elliot y la tragicomedia (aunque mucho más drama) de The Full Monty. Está dirigida por el treintañero Felix Van Groeningen y fue la seleccionada por Bélgica a los premios Oscar 2010 en la categoría de película extranjera.

    Basada en una novela de Dimitri Verhulst, The Misfortunates tiene una narración brillante que juega entre el pasado y el presente, entre la calidez del hogar y el rechazo a la familia, entre la hermandad y la vida ordinaria de los borrachos.

    La fotografía es brusca y hermosa. Es una película genuina y divertida, de esas difíciles de mirar, pero que atrapan hasta el final. Este es el cine que me gusta.

    Aquí encontré una sinopsis inusualmente larga y el tráiler. 

    "Los Strobbe, protagonistas de esta película basada en el best seller semiautobiográfico de Dimitri Verhulst, le dan un nuevo sentido a la frase “Todas las familias felices se parecen entre sí, pero las desdichadas lo son cada una a su manera”. Ellos no se parecen a nadie, ni en las malas ni en las buenas. Los Strobbe son más maleducados, más ordinarios, más borrachos, más sucios, más gritones y más peleadores que todos. Pero también son una familia y, unidos, resisten las más diversas desgracias. Su incierto destino está, según ellos, inevitablemente atado al del cantante Roy Orbinson, quien les provoca desde lágrimas hasta ratos de euforia. ¿Pero quiénes son estos Strobbe? Gunther, el joven de 13 años narrador de la historia; su padre, su abuela y tres tíos, todos viviendo bajo el mismo techo. Entre peleas, concursos para ver quién toma más cerveza, peculiares carreras de bicicleta, amores no correspondidos o fallidos, traiciones pequeñas y de las otras, Gunther busca la forma de huir de esa vida demencial utilizando la escritura como vía de escape. Pero hay un nuevo papel para él dentro de la familia y, tal vez, un motivo para estar orgulloso de ser un Strobbe".(www.mardelplatafilmfest.com)
     

     


    El mundillo del arte

    Recientemente, el cine me había ofrecido –nuevamente- el lado oscuro del arte. Who the #$&% is Jackson Pollock? y Exit Through the Gift Shop me recordaron ese mundillo perverso en el que se juegan los talentos, el poder y el dinero de la manera más glamorosa.

    Aunque esto es ficción, Boogie Woogie (2009) muestra la misma cara de la moneda: la de los poderosos que mueven los hilos del arte a su antojo, esta vez aderezado con mucho sexo y traición.

    Se trata de la primera película de Duncan Ward que cuenta la historia de la venta imposible de una obra del holandés Piet Mondrian, la primera de la serie Boogie Woogie. 

    Un galerista que engaña a sus clientes, una amante que jugará sucio para superarse, una artista homosexual que se aprovecha del momento, una esposa enloquecida por un joven artista, un perdedor al que no dejan “entrar” en el círculo, un viejo cascarrabias que no vende su Mondrian ni por todo el dinero del mundo y un perro llamado Picasso, son algunos de los personajes de esta comedia negra.

    Un excelente elenco se mueve entre galerías e infidelidades: Gillian Anderson, Heather Graham, Danny Huston, Amanda Seyfried, Stellan Skarsgård y el primer actor Christopher Lee.

    Algunas críticas dicen que Boogie Woogie es una refrescante representación del ambiente  artístico contemporáneo londinense, y no lo dudo, pues viniendo de una ciudad pequeña muchas escenas no me parecieron ajenas a la realidad, solo que en menor grado: menos dinero de por medio, artistas reconocidos sólo localmente y producción artística poco arriesgada.

    Lo que sí es cierto es que, como una amenaza de invasión extraterrestre, la frase “cualquier cosa es arte” cada día tiene más sentido.
      

    miércoles, diciembre 15

    Madres a los 40

    El argumento es poco común, pero real. El desarrollo de la trama es lo que es un poco enredado. Sin embargo, me sorprendió que 9 meses, una coproducción España-Venezuela tenga 8.2 puntos en IMDB. La verdad, no me pareció tan buena. Es divertida, especialmente si uno va al cine en un grupo de nueve mujeres, de la cuales varias estamos solteras aún.

    Tres mujeres de 40 años, bellas, profesionales, adineradas y muy seguras deciden tener un hijo… todas del mismo hombre. Contrato de por medio, el padre de las criaturas, un actor venido a menos, tendrá que pasar por situaciones inesperadas para sobrellevar esta complicada paternidad.

    9 meses, del español Miguel Perelló, tiene un poco de la exitosa serie de televisión Big Love, donde un hombre se comparte en tres familias con el consentimiento de todos los integrantes de ellas. Algunas escenas también recuerdan a Nine Months, con Hugh Grant y Julianne Moore, y los enredos de Al otro lado de la cama, del también español Emilio Martínez Lázaro.

    Protagonizada por Enrique Arce, Anabel Alonso, Mónica Cruz, Vanesa Romero y la venezolana Anabell Rivero, la película obtuvo este año el primer premio en la XXXI Mostra Cinema Valencia.

    El guión está lleno de frases comunes que rondan por los ambientes en los que me desenvuelvo, especialmente las noches de cervezas con mis amigas solteras o casadas. Hace años que pasé los 30 y aún no tengo hijos y aunque considero que la maternidad es un asunto social y no biológico (mis hermanas me odian por decir esto) 9 meses es una de esas películas que permite reflexionar sobre la búsqueda de un hijo, esencialmente en lo divertido de “buscar”.
     

    El chico que desnuda mujeres

    Cashback (2006) es un buen experimento producto del cortometraje del mismo nombre que realizó Sean Ellis en 2004, ganador de seis premios internacionales y nominado al Oscar. Con los mismos personajes Ben (Sean Biggerstaff) y Sharon (Emilia Fox), junto a otros divertidos compañeros de jornada, Cashback se convierte en una historia mágica sobre un chico que sufre de insomnio y desnuda mujeres.

    Después de romper con su novia, Ben pasa días sin dormir, por lo que busca un trabajo nocturno en un supermercado, donde encontrará nuevos amigos y se enamorará nuevamente. Pero para pasar las largas horas de trabajo Ben, un estudiante de arte, se imagina que para el tiempo, desnuda chicas y las dibuja. Estas escenas son sublimes, sencillamente hermosas.

    Sean Biggerstaff, quien se dio a conocer por su personaje de Oliver Wood, el capitán del equipo de quidditch en Harry Potter 1, 2 y 7, da vida a un personaje trastornado y romántico que no se rinde. Biggersataff  filmó su primera película a los 14 años con Alan Rickman.

    Por su parte, Sean Ellis, de 40 años de edad, apenas ha dirigido y escrito seis películas, entre largos y cortos, pero se ha convertido en una referencia del cine británico por la manera poética y acertada de tratar los temas más comunes.

    Con el humor negro que caracteriza a los ingleses, ese que no enloquece pero hace pasar un rato agradable, y la sublime textura del cine de Ellis, Cashback se ha convertido en una de mis películas inglesas favoritas.

    Se la recomendaré a mi amigo M. que también anda por ahí congelando el tiempo y desnudando mujeres.

    domingo, diciembre 12

    "El sueño es el destino"

    Lorca dijo la iguana morderá a aquellos que no sueñen. Así lo dice uno de los personajes de esta fascinante película animada de Richard Linklater.

    Waking life es una trama de conversación relacionadas con  los sueños y lo que representan para el hombre. Un joven está dentro de un sueño del que no puede despertar, pero será una lección de vida. Cada personaje -unos 30,  incluyendo al director- aportan una profunda reflexión al filme. La primera gran frase de Waking life, "dream is destiny" marca la gran idea sobre la que gira la película.

    Está animado mediante la técnica de Rotoscopping, se filma completamente en video digital y luego se edita  dibujando líneas estilizadas y colores a cada fotograma.

    Entre Antes del amanecer (1995) y Antes del atardecer (2004) Linklater revive de nuevo la historia de  Celine y Jesse (Julie Delpy y Ethan Hawke). En Waking life, los personajes  aparecen en una escena y dan continuidad, de alguna manera, al diálogo fructífero que mantienen en la primera película. Celine y Jesse hablan de sus abuelas, un tema importante en su historia.

    El título "Waking life" hace referencia a la máxima del filósofo Jorge Santayana "la cordura es una locura que se usa para bien; la vida despierta es un sueño controlado".

    Es una experiencia fascinante, entre la narrativa y la academia, con un guión impecable. Si me hicieran una de esas preguntas cliché que se le hace a los personajes públicos en las entrevistas sobre las personas que admiran, el fin del mundo, etc.… respondería: “mi mayor deseo es tomarme un café con Richard Linklater y hablar sobre la vida”.
     

    lunes, diciembre 6

    La eterna historia de la prisión

    Davis, 16 años, tráfico de estupefacientes.  Ángel, 15 años, robo a mano armada y violencia. Butch, 17 años, agresión a un oficial correccional. Tres chicos con una misma sentencia: tres meses en una correccional juvenil, donde tendrán que sobrevivir a ellos mismos.

    Dog Pound es la segunda película del director francés Kim Chapiron, rodada en Estados Unidos aunque la mayoría de sus actores sean canadienses.

    Cuenta el calvario de estos tres chicos en un penal que sale del control de sus guardias. Drogas, tensión, violencia son los ingredientes comunes de esta historia muy repetida en el cine, donde no se juzga a los personajes, todos son víctimas del sistema.

    Pero lo bueno de Dog Pound es la actuación de los novatos actores de televisión Adam Butcher, Shane Kippel y Mateo Morales combinadas con las de no actores y reclusos reales que hacen que la película coquetee con el documental. Este es el logro de Chapiron.

    La película, que es una coproducción entre Francia y Canadá, fue estrenada este año con buenas críticas, aunque algunos –como yo- quedaron insatisfechos con el final. Leí por ahí, que Dog Pound es una copia fiel de Scum, una película británica de finales de los 70. Sin embargo, esto no pareciera detener su éxito. Obviamente, después de Hunger o Un prophète, al cine europeo la costará mostrar algo de esa calidad.

    Es una película muy bien documentada que muestra –una vez más- el mundo que se encierra dentro de los penales. Lamentablemente, estas propuestas ya no nos son ajenas pues, tanto en la ficción como en la vida real, sabemos cómo funciona “el sistema”. No dejo de pensar en Antoine Doinel.

    Por cierto, hay un juego de video llamado Dog Pound en el que el jugador debe pegarle a los perros que plagan el pantano. ¿Será una coincidencia?
     

    *Gracias a Juan por esta recomendación.
     

    domingo, diciembre 5

    El apocalipsis en 3D

    Metropia nos lleva a una Europa no tan lejana ni espantosa, donde el mundo se ha quedado sin petróleo y una red de metro subterránea ha sido conectada creando una inmensa red bajo el suelo europeo. Roger de Farsta (un suburbio de Estocolmo), elige alejarse del metro ya que piensa que es desagradable y a veces oye voces extrañas dentro de su cabeza. Un día, Roger descubre que su vida es controlada en cada detalle, así que trata de escaparse, pero para lograrlo necesitará la ayuda de la super-modelo Nina, ¿o quizás es Nina la que necesita a Roger?”

    Metropia (2009) es una coproducción Dinamarca-Noruega-Suecia dirigida por Tarik Saleh. Una animación oscura y perfecta, con técnicas de diseño y montaje fotorealistas, que cuenta con las voces protagonistas de Juliette Lewis, Vincent Gallo y Udo Kier.

    Es una historia repetida en el cine de los últimos cincuenta años, donde la idea del Nuevo Orden Mundial aparece nuevamente, aunque esta vez más descabellada –literalmente- pues el poder se ejerce a través del control de los hombres que usan la red de trenes y un champú especial. ¡Sí! ¡Un champú!

    El escritor Stieg Larsson participó en el guión, lo que asegura una buena dosis de ciencia ficción.

    Más allá de la mirada a un apocalipsis cercano del que todos hablan (basta revisar la prensa internacional, guglear la palabra “petróleo” o ver los miles de documentales caseros sobre el NWO en youtube) Metropia se hace agradable a la vista gracias a la animación.

    Una estética muy parecida a un video click de rock. Una historia perturbadora como en las grandes producciones de Hollywood. Un título que recuerda a otro y se convierte en una continuación de la profecía: Metrópolis (de Fritz Lang). Pero en Metropia, el champú hace la diferencia.

    Este es el tráiler:

      

    sábado, diciembre 4

    Una promesa no se rompe

    Un hombre pájaro expulsado por un cañón desde un circo atraviesa toda la ciudad. Va de un lado a otro, por varios días. Unos se asombran y otros se divierten. Es uno de esos personajes singulares de las películas de Kusturica.

    Próximo a la muerte, el abuelo (Aleksandar Bercek) le pide a su nieto Tsane (Uros Milovanovic) que cumpla sus últimos tres deseos: que se marche a la ciudad para vender una vaca, comprar un icono religioso y que vuelva con una esposa. Al final, la búsqueda se convertirá en un viaje iniciático para el joven, que nunca antes había salido de su pueblo. 

    Se trata de Zavet (Prométeme, 2007) el octavo largometraje escrito y dirigido por Emir Kusturica, que pasó sin pena ni gloria.

    Obviando dos prejuicios fundamentales en la obra del director serbio: uno, que es Kusturica, simplemente; y dos: que el director siempre muestra la cultura de un país donde la alegría y el amor reina por sobre todos los conflictos… Zavet se vuelve un laberinto de imágenes repetitivas que parece que hemos visto en otras de sus películas.

    El niño inocente, el mafioso drogadicto, los malvados armados hasta los dientes que matan sin piedad y con burla, el uso y abuso de la cocaína, las tetas de las prostitutas, los ancianos sabios y la relación del hombre con los animales, conforman una historia divertida, pero no para morirse de la risa. Tiene escenas completas rescatables. Fue nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 2007, lo que algunos críticos consideran “incomprensible”.

    Aunque no he visto las 20 películas de Kusturica, es un director que sigo desde hace tiempo (y a su música) y creo que tiene mejores propuestas. Sin embargo, Zavet se puede ver y disfrutar desde el humor que caracteriza la cultura del sinsentido y de la esperanza.
      

    La nueva A escarlata

    Easy A (Rumores y mentiras, 2010) es la versión moderna de La letra escarlata. Pero no se trata de una mujer víctima de todo un pueblo por un pecado de adulterio. Sino de una chica de 17 años que se inventa una vida adúltera para ser popular, influenciada por la lectura de la obra de Nathaniel Hawthorne.

    Una propuesta diferente a las miles de películas de adolescentes que muestran las malvadas chicas populares, los perdedores, el capitán del equipo de fútbol que todas desean y la protagonista pobre o  invisible que se convierte en la reina de la fiesta final. Esta vez, Olive (Emma Stone) decide bordarse la A escarlata en su ropa y romper las reglas.

    Es la segunda película del director Will Gluck. Nunca vi una película aburrida con Thomas Haden Church, ni con Stanley Tucci, y mucho menos con Lisa Kudrow… así que ésta no lo es. No será la comedia del año, pero sí es entretenida, y tiene un planteo interesante sonre el uso de internet entre los adolescentes.

    Actúan también Amanda Bynes (que ya no es la chica delgada de What a girl wants), Patricia Clarkson y el bello ex vampiro Cam Gigandet.

    Cuando se refiere a la película La letra escarlata, Olive hace un crítica al remake de 1995, protagonizado por Demi Moore y Gary Oldman, por el acento forzado de Moore y todas las veces que sale bañándose, y reclama a sus compañeros de clases a que vean la película original del 34, dirigida por Robert Vignola.

    Por mi parte, creo que mejor vería la de 73 dirigida por Wim Wenders… esta es la primera parte: DER SCHARLACHROTE BUCHSTABE
      

    viernes, diciembre 3

    Amor de lejos...

    Garret: Te traje un regalo
    Erin: ¿Tu pene?
    Garret: Sí.. 20 centímetros de mi pene
    Erin: Siiii...

    Esta es una de las comedias románticas más inteligentes que he visto. No es la comedia rosa del amor tierno que es capaz de vencer todos los obstáculos. O sí, sí lo es. Pero no de la misma manera.

    Los diálogos son perfectos, los personajes hablan todo el tiempo de las verdaderas consecuencias de las relaciones a distancia, del buen sexo, de la familia, de cómo la profesión y los lugares de trabajo pueden determinar tu vida. Es genial, al mejor estilo de Richard Linklater, aunque menos intenso, más divertido.

    Going the Distance (Amor a distancia, 2010) es la primera película de ficción dirigida por Nanette Burstein, después de tres documentales y una mini serie para televisión.

    Drew Barrymore (siempre en mi top) es Erin, una periodista de San Francisco que desea mudarse a Nueva York. Justin Long es Garrett, un representante de bandas musicales que deberá tomar decisiones para estar con la mujer que ama. Un tercer personaje es Corinne, la hermana de Erin, madre joven, preocupada, histérica y alocada. Un buen papel para Christina Applegate.

    Las actuaciones son sencillas, parece que se inventara el guión a cada minuto, pues los comentarios entre hermanas, amigos machistas y amantes son tan comunes como los que escucho todos los días, en cualquier bar.

    Recomendada para cualquier sexo y cualquier humor.

    Nada de cuentos de hadas. Esta es la realidad de los amores a distancia. “Amor de lejos, felices los cuatro” dicen por ahí. Yo creo que más allá del buen chiste hay que poner corazón y mucho empeño para mantener una relación así y tener un final feliz… yo no creo poder hacerlo. Paso.

    martes, noviembre 30

    Carancho

    En Argentina mueren más de 8 mil personas al año en accidentes de tránsito, un promedio de veintidós por día; más de ciento veinte mil resultan heridas. La última década ha dejado 100 mil muertos. Los millones de pesos que necesitan las víctimas y sus familiares para afrontar gastos médicos y legales, producen un enorme mercado, sostenido por las indemnizaciones de las aseguradoras y la fragilidad de la ley. Detrás de cada desgracia asoma la posibilidad de un negocio.

    Este es el argumento de Carancho, la película que llevó este año el director Pablo Trapero al Festival de Cannes. Está protagonizada por la pareja de Trapero, Martina Gusman (antes hicieron juntos Leonera) y por Ricardo Darín, quien protagonizó el año pasado la aclamada El secreto de sus ojos.

    Al parecer, la gente de por estos lares está un poco cansada de Darín. Como yo voy llegando, no me aburro de sus actuaciones ni conozco –ni me interesan- los pormenores de su carrera. Me gustó su actuación como Sosa, un abogado caído en la desgracia que se aprovecha de las víctimas de accidentes de tránsito para llevar un negocio millonario, donde él también se convierte en víctima. También me gustó Martina Gusman como Luján, la doctora que se ve envuelta en la tragedia.

    Es una historia un poco forzada, pero tiene los elementos esenciales de un buen policial, un poco de suspenso, víctimas y causalidades fatales que van dando forma a la historia con un final cerrado que no da cabida a interpretaciones.  Carancho es una de las películas argentinas más taquilleras de este año. En lo personal, me gustó mucho. Mantiene el suspenso hasta el final.

    El Carancho es una especie de buitre, un ave solitaria que se mueve según el lugar donde consiga comida. Cuando averigüé esto me pareció que, lo mejor de la película, es su título.
      

    lunes, noviembre 29

    Flipando como adolescente

    Sydney Ellen Wade es uno de mis personajes favoritos del cine, fue protagonizado por Annette Bening en Mi querido presidente, dirigida por Rob Reiner. Después de esta película, pocas me gustaron del director, hasta esta tarde.

    Flipped es una comedia romántica donde dos niños cuentan su primer amor con la mezcla de monólogos inocentes. Todo comienza por el deseo del primer beso.

    La historia relata la vida Bryce y Juli (Madeline Carroll) desde la escuela primaria hasta la secundaria, a través de los éxitos y los fracasos, los dramas familiares y el primer amor, a medida que van haciendo los descubrimientos que definirán quienes son como personas, y que es lo que son el uno para el otro.

    La nueva película de Reiner está basada en la novela de Wendelin Van Draanen.

    Es divertida y tierna, como esas películas que veía de adolescente un sábado o domingo por la tarde. Flipped es especial para pasar el malestar físico en una tarde aburrida.

    Este es el tráiler:


    domingo, noviembre 28

    “Servidumbre moderna” para debatir

    “No hay que conquistar el poder, hay que destruirlo”.  Esta es una de las frases que destacan en este documental colombo-francés dirigido por Jean-François Brient y Víctor León Fuentes en 2009.

    La servidumbre moderna es un libro y un documental producidos de manera  independiente. Según la información del sitio web oficial, los directores crearon una película de 52 minutos de duración a partir de fragmentos malversados de películas de ficción y de documentales. A esto yo le agrego: y citas de filósofos y pensadores descontextualizadas.

    Dice en la web: “Algunos querrán encontrar aquí soluciones o respuestas preconcebidas del género “¿Cómo hacer la revolución?”. Este no es el propósito de esta película. Se trata más bien de hacer la crítica precisa de la sociedad a la que debemos combatir. Esta película es ante todo una herramienta militante cuyo propósito es hacer que la mayoría se cuestione y que la crítica se propague allí donde no tiene acceso. Las soluciones y los elementos del programa debemos construirlos juntos a través de la práctica. No necesitamos un gurú que venga a explicarnos cómo debemos actuar: la libertad de acción debe ser nuestro rasgo característico. Quienes desean continuar siendo esclavos esperan su mesías o la obra que bastaría seguir al pie de la letra para lograr ser libre. Ya hemos visto muchas de esas obras o de esos hombres en la historia del siglo XX que se propusieron constituir la vanguardia revolucionaria y conducir al proletariado hacia la liberación de su condición; los resultados de esa pesadilla hablan por sí mismos.”

    Si bien el objetivo del documental es “abrir los ojos” ante la condición de “esclavos modernos” en la que todos estamos sumergidos, es un propuesta poco creativa, con imágenes y textos fatalistas que no hace ningún aporte a la discusión occidental sobre el consumismo. Por el contrario, la descontextualización de imágenes y el guión forzado permiten que la “realidad” se perciba como falsedad, casi caricatura.

    El cierre es un llamado a la violencia, a la revolución desvalorizada que se convierte en vandalismo. No hay un llamado al diálogo. Es cierto que vivimos bajo el manto sagrado del capitalismo, estoy totalmente de acuerdo, pero apuesto por la justicia social y no por la violencia.

    Toda la info está aquí: http://www.delaservitudemoderne.org/

    Por mi parte, dejo este post disponible para el debate.

    Cine negro con Jeanne Moreau


    En los últimos años del cine negro, Louis Malle estrena Ascenseur pour l'Echafaud (1957) luego de haber codirigido con Robert Bresson Un condenado a muerte se ha escapado, y con Jacques Cousteau El mundo del silencio. Es un film policiaco basado en la novela de Noël Calef.

    Protagonizado por Maurice Ronet y Jeanne Moreau, Ascensor para el cadalso cuenta la historia de Julien Tavernier, un héroe de la guerra de Indochina, que trabaja para el industrial Simon Carala, y es el amante de su esposa, Florence. Para poder vivir con ella, los amantes deciden matar al marido, haciendo que parezca un suicidio, pero un imprevisto en un ascensor le dará otro giro a la historia.

    Aunque esta película de Malle no es de la más representativas del film noir, como El halcón Maltés de John Ford, por ejemplo; tiene todas las características estéticas del expresionismo alemán y la iluminación de la época que permitieron que el cine negro marcara pauta dentro de la historia de la cinematografía europea. Malle se inspiró en Hitchcock al crear ese clima donde el azar determina la vida de los personajes. En Ascenseur pour l'Echafaud  no podía faltar uno de los principales rasgos del cine noir: la mujer fatal, casi siempre esposa, amante y cómplice de asesinato.

    Mi amigo Johan me envió esta película dese Caracas, con algunas libros. Dijo que le  recordó a mí, no sé si por la intriga de la trama, la mala jugada del destino, o, quizás, por la belleza incomparable de Moreau (la misma de Moderato Cantabile y muchas películas más).

    Lo cierto es que Johan sabe de buen cine, y sabe también de las películas que me gustan.

    Aquí les dejo algo de la banda sonora de Miles Davis:

    jueves, noviembre 25

    Kiarostami original

    Abbas Kiarostami es el director favorito de mi amigo I. Siempre me habló de él y yo no había visto ninguna de sus 40 películas. Me aventuré con Copie conforme, su más reciente película.

    Dice la sinopsis: “Esta es la historia de un encuentro entre un hombre y una mujer en un pequeño pueblo italiano en el sur de la Toscana. El hombre es un autor británico que acaba de terminar una conferencia. La mujer, de Francia, posee una galería de arte. Esta es una historia universal que podría ocurrirle a cualquiera, en cualquier lugar”.

    James Miller (William Shimell) escribe un libro sobre la obra de arte y su copia. Elle (Juliette Binoche) es una mujer irritable y perturbada. Juntos enmarañan una historia paralela a la originalidad del arte. El trasfondo existencial de  los personajes y un diálogo íntimo entre ellos, a veces absurdo, son los recursos que utiliza el director iraní para lograr una obra maestra, donde la mezcla de idiomas y culturas es fundamental.

    Es una película que se adapta a cualquier interpretación.

    ¿Cuál es el amor original? Me pregunté después de verla. ¿Qué características hacen a lo real, real? No encontré respuesta, pero me deleité descubriendo a Kiarostami y sus enredos.

    Es excelente. Voy por más...

    lunes, noviembre 22

    Fin de semana largo con Miyazaki

    Lunes: Porco Rosso

    “Un cerdo que no vuela solo es un cerdo”. Ésta es una de tantas frases geniales que dice Porco Rosso, otro de los personajes enigmáticos de Hayao Miyazaki.

    Porco Rosso (Kurenai no buta), dirigida en 1992, es la historia de un piloto italiano de hidroaviones que vive como cazarecompensas después de haber “renunciado” al cuerpo militar. Estamos en el Mar Adriático en los años 20.

    Marco Pagot, el Porco Rosso, es víctima de una maldición, por lo que luce como un cerdo humanizado, sin embargo no deja de ser aventurero y galán. Este cerdo (el animal preferido de Miyazaki) es un hombre de clara determinación ideológica que vive según sus convicciones. “Prefiero ser un cerdo que un fascista”, dice. Entre sus aventuras por el aire y el mar con otros mercenarios, Porco Rosso se enfrenta a un piloto estadounidense muy fanfarrón. Un dato curioso tomando en cuenta que, por esos años, Miyazaki era marxista.

    Kurenai no bita fue originalmente planeada como una película para mostrar en vuelo para las Japan Airlines, basada en el manga The Age of the flying Boat, que Miyazaki escribió en 1981, pero la producción fue ensombrecida por la guerra en Yugoslavia, hecho que le aportó a la película un tono más serio.

    Se espera el estreno de Kurenai no bita 2 para el 2012.

    En tres días vi Tonari no Totoro, Mononoke Hime y Porco Rosso. Antes había visto -muchas veces- Laputa un castillo en el cielo, Ponyo y El viaje de Chihiro, de las cuáles ésta última sigue siendo mi favorita.

    De los 10 largos de Miyazaki, me faltaría ver: Nausicaä del Valle del Viento, El delivery de Kiki, El castillo Cagliostro y El increíble castillo vagabundo,  además de sus siete cortos…tendré que esperar otro fin de semana largo y caluroso en la ciudad de la furia.

    Por ahora... les dejo un brevísimo resumen de sus principales películas al ritmo de Obla di, obla da...


    domingo, noviembre 21

    Fin de semana largo con Miyazaki

    Domingo: Mononoke Hime.

    Desde tiempos remotos los dioses han vivido en los bosques. Y ahora los humanos han llegado para conquistarlos...

    La eterna lucha del reino animal que defiende la naturaleza ante la ambición despiadada del hombre, un bosque, dioses y pequeños seres mágicos, una guerrera incansable y un hombre bueno enamorado. Esta historia la hemos visto muchas veces, pero nadie la cuenta como Hayao Miyazaki: Ashitaka es un joven muchacho es herido por un ente maligno de los bosques y debe partir en busca de una cura. En el camino conoce a San, una chica criada por los dioses-lobos, quien le hace saber que una catástrofe ecológica viene camino de acabar con la floresta y sus habitantes. Juntos tendrán que impedir que humanos y animales acaben con el bosque.

    La princesa Mononoke, fue dirigida por Miyazaki en 1997 y se convirtió rápidamente en  la película más taquillera de la historia de Japón, hasta que, en el 2002, Sen to Chihiro no kamikakushi le quitó este reconocimiento.

    No cabe duda que es una gran crítica a la destrucción de bosques por parte del hombre y al daño irreversible que se hace al medio ambiente. Todo esto contado desde las leyendas japonesas que el director adapta magistralmente. Mononoke no es un nombre, sino una descripción que puede ser traducida en este contexto como “espíritu vengador”.

    Desde su ideología ecologista y pacifista, Miyazaki nos invita a defender la tierra de la que venimos. No deja ser placentero sentir cierto espíritu combativo y alegre después  de ver Mononoke Hime, no solo por el mensaje de la película si no por la belleza del dibujo animado y los personajes divertidos del director.

    Además de la película, recomiendo el soundtrack original de Joe Hisaishi… aquí un track con imágenes de Mononoke Hime.

    sábado, noviembre 20

    Fin de semana largo con Miyazaki

    Sábado: Tonari no Totoro 

    Totoro es uno de los personajes más tiernos del cine animado. De eso no cabe duda. Grandulón, peludo y con una sonrisa inmensa este singular personaje sigue deleitando a los seguidores del animé y del director Hayao Miyazaki.

    Mi vecino Totoro cuenta la historia de Satsuki y Mei, dos niñas que se han ido a vivir al campo con su padre, mientras su madre sale del hospital. En su casa nueva, las niñas descubren la existencia de seres extraordinarios que sólo pueden ser vistos por personas de corazón puro. Cuando la chiquita Mei, se pierde intentando llegar al hospital para ver a su madre, Satsuki recurre a Totoro, el rey del bosque, para que le ayude a encontrar a su hermana pequeña.

    Los Totoro son tres espíritus del bosque que habitan en el interior de un gigantesco árbol alcanforero milenario.

    Es una linda aventura. Mi vecino Totoro, dirigida por Miyazaki en 1988, se ha convertido en uno de los grandes clásicos del cine de animación y en el referente del estilo de Studio Ghibli.

    Por su parte, Miyazaki es el director de cine japonés más reputado de los últimos años. Sus personajes son divertidos y tiernos, incluso los malvados se nos hacen familiares. Mei recuerda mucho a Ponyo, otra niña mágica a la Miyazaki da vida 20 años después.

    Hayao Miyazaki es el único director que ha conseguido el Oso de Plata del Festival de Berlín con una película de animación. En el 2003, Sen to Chihiro no kamikakushi, otro de sus clásicos, ganó un Oscar y un César como mejor película animada.

    Tonari no Totoro fue elegida por la revista británica Time Out, como la mejor película de animación de la historia, por eso fue reestrenada en octubre de 2009 mediante la distribuidora Aurum, como un homenaje al maestro Miyazaki.
     

    viernes, noviembre 19

    ¿Empujamos?, mujeres.

    Amo Mérida. A pesar de mi regionalismo-maracucho-exagerado, si pudiera escoger un lugar para vivir mis últimos años sería Mérida. No es París, no es Praga ni Buenos Aires. Es Mérida, en los andes venezolanos. 

    Cuatro litros por tonel, el documental de Belimar Román que se estrena hoy en esa ciudad, me recordó mis andanzas por esas montañas amables y pacíficas.

    Mérida es la cuna del cine venezolano. Desde ahí se generan propuestas importantes, otra no tanto. Tuve la oportunidad de ver Cuatro litros por tonel antes de su estreno para contribuir con un texto.


    Este es mi aporte a la película. Un granito de arena al cine venezolano:


    Un grupo de mujeres de Mixteque, un pueblo ubicado al noreste del páramo merideño, da cuenta de la realidad de las cooperativas agropecuarias y la lucha de los agricultores por mantener sus costumbres.

    Belimar Román, lo sabe. La directora de Cuatro litros por tonel nos muestra la perseverancia y el desasosiego de los oriundos de estos parajes. Las mujeres que forman la cooperativa Mubay, una productora de abono orgánico a base de humus de lombriz, ven mermado su trabajo por no contar con un transporte adecuado para ello.

    Cámara en mano, detrás de los protagonistas, Belimar Román se hace cómplice en esta historia. Divertidas situaciones hogareñas nos recuerdan la cultura de una tierra que se resiste al olvido. Un camión que hay que empujar para que ande, la ayuda del vecino, el café recién colado, los niños que participan en los quehaceres diarios y, especialmente, el entusiasmo. El entusiasmo necesario parta afrontar la burocracia y la competencia industrializada.

    Cuatro litros por tonel es una mirada oportuna al mundo de las cooperativas, a la solidaridad del otro, pero, sobre todo, al empeño de la mujer venezolana por forjarse una vida mejor, de vuelta al contacto directo con la tierra. Donde todo comenzó, donde todo debe volver.


    Toda la info aquí: CUATRO LITROS POR TONEL...

    jueves, noviembre 18

    ¡Volvió la Harrypottermanía!

    No sé cuál encantamiento usó Eduardo, pero consiguió dos entradas a mitad de precio para el pre estreno de Harry Potter y las reliquias de la muerte (Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1). Y ahí estábamos los dos, casi a media noche, en primera fila –poco recomendado para el cine- con un balde de pochoclos/cotufas sufriendo con Harry, Hermione y Ron. (Daniel Radcliffe, Emma Watson y Ruper Grint)

    El domingo anterior había leído en Clarín una entrevista a Radcliffe donde señalaba lo triste que era para estos tres amigos inseparables dejar los personajes con los que habían crecido. Esta última entrega de J.K. Rowling, dividida en dos partes, explota en pantalla toda la tensión que viene gestándose desde El Prisionero de Azkabán (la tercera y mi favorita de la serie) donde comienza la verdadera intriga. Definitivamente la vida de los alumnos de Hogwarts cambió desde la reaparición de Voldemort.

    Escribir sobre sinopsis o capítulos sería redundar. Seguramente, muchos de los que leen este post habrán leído los libros o deben conocer por referencia directa o indirecta la leyenda del niño mago que lucha contra el mal. Aún así, está séptima entrega, la tercera dirigida por David Yates, tiene una fotografía impresionante, las actuaciones son cada vez mejores (como era de esperarse después de tantos años), efectos bien logrados y un suspenso, literalmente, mágico.

    Una frase de Eduardo fue contundente anoche: “todo actor británico que se respete ha pasado por Harry Potter”… no sé si “todo actor británico” pero Ralph Fiennes, Gary Oldman, Alan Rickman, Julie Walters, Helena Bonham Carter y Jason Isaacs son un ejemplo. En Las reliquias de la muerte dos nuevos actores se unen a la saga: mi adorado Bill Nighy, como el Ministro de Magia, y Rhys Ifans como el padre de la enigmática Luna Lovegood.

    Recomendada 100%. No apta para personas anti-magia y anti-harrypottermanía.

    Por mi parte, tendré que esperar entonces hasta el próximo año para la continuación del capítulo final de Harry Potter. Mientras tanto sigo practicando el Espectro patronus que tanta veces me ha salvado.

    miércoles, noviembre 17

    Otro seductor francés

    Todo gigoló tiene su talón de Aquiles, eso no es novedad. Pasa lo mismo con las mujeres, aunque dejemos siempre al hombre la etiqueta de “quiere con todas”.

    En el cine, tampoco es una novedad. Es una historia trillada. L'arnacoeur (Los seductores) viene a formar parte de esa lista de largos y cortos que tiene que ver con el hombre que seduce a todas hasta que una mujer única, que se resiste, logra seducirlo y enamorarlo hasta el final feliz. Sin embargo, a pesar de lo caricaturesca y conocer de memoria el desarrollo de la trama, es una película divertida de principio a fin.

    Álex y su hermana se dedican a separar parejas. Desde Mónaco hasta Marruecos, ningún sitio está demasiado lejos y ningún trabajo es demasiado grande. Con una tasa de éxito del 100%, son los mejores en lo que hacen. Por más inmoral que pueda parecer su profesión, ellos tienen su propio código de honor: Regla nº1: Nunca separar una pareja estable. Regla nº2: No enamorarse jamás (algunos de mis amigos dirían: Regla nº3: No salir con estudiantes). Pero cuando un hombre los contrata para terminar la relación de su hija con su novio, empiezan a romper las reglas.

    Dirigida por Pascal Chaumeil, Los seductores está protagonizada por Romain Duris (el mismo de Las muñecas rusas), como el seductor  Alex, y Vanessa Paradis, en el papel de la niña rica Juliette Van Der Becq. Mélanie (Julie Ferrier) y Marc (François Damiens) son la pareja que ensalzan con mucho más humor las aventuras de Alex. El quinto personaje es el bello actor inglés Andrew Lincoln, el novio que Alex tendrá que sacar de la vida de Juliette.

    L'arnacoeur no será un mito en la historia del cine francés (no es suficientemente sustanciosa) pero desde su estreno en octubre se ha convertido en la película francesa más taquillera del año 2010.

    martes, noviembre 16

    Nadie sabe... nadie dice

    Akira es un niño de 12 años que, en menos tiempo de lo esperado, tiene que convertirse en hombre para cuidar a sus hermanos Kyoko, Shigeru y Yuki, ya que su madre los abandona para irse con su nuevo novio. El dinero pronto se acaba, y Akira tendrá que ingeniárselas para poder darle de comer a sus hermanos. Las calles de Tokio se vuelven su refugio.

    Niños de padres diferentes que nunca han ido a la escuela, una madre irresponsable y egoísta, una niña convirtiéndose en mujer… parecieran ser personajes exagerados para Nobody knows (Dare mo shiranai), escrita y dirigida por  el japonés Hirokazu Koreeda en 2004; pero basta leer los diarios de hoy para darse cuenta de que es una historia muy parecida a la realidad.

    Koreeda tomó un hecho real de 1988 para construir un mundo donde se pierde el límite entre la ficción y la realidad, ya que usa algunas técnicas de documental. Además, se apropia de las cuatro estaciones para contar la historia (algo como Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera, de Kim Ki-duk) mientras los niños se desarrollaron física y psicológicamente en la vida real, al igual que los personajes.

    Difícil no llorar, difícil no estremecerse… película imperdible que no decae en clichés a pesar de ser una historia común. El lenguaje del cine japonés más refinado.

    Es simplemente hermosa.

    domingo, noviembre 14

    Otra familia absurda

    En una familia es normal que cada quien haga su vida y, muchas veces, no comente nada con el otro. Pero esta familia de City Island es el extremo. Es la última película de Andy García y vale la pena verla.

    Una familia tan disfuncional como la de American Beauty, tan alocada como la de Little Miss Sunshine y tan absurda como Los excéntricos Tenenbaums…  una historia llena de secretos escrita y dirigida por Raymond De Felitta.

    Los Rizzos, son una familia que no comparten nada, ni sus hábitos o aspiraciones. La llegada de Tony, un ex convicto, cambiará esta forma de relacionarse y permitirá revelar los secretos  más importantes de la trama. City Island, un “paraíso” en medio del Bronx será el lugar apropiado para las coincidencias más alocadas.

    Andy García hace un papel tremendo como el policía de una correccional que estudia teatro a escondidas de su familia. Actúa también la bella Emily Mortimer y el nuevo galán Steven Strait.

    Divertida, relajante, simpática, que no hace morir de la risa, pero sí se puede disfrutar con una buena pizza y una cerveza bien fría.
     

    sábado, noviembre 13

    Laberintos y magnolias

    Veía Harry Potter y el Cáliz de fuego por enésima vez y me quedé pensando en los laberintos. En los laberintos de la vida, más bien. Una serie de caminos insospechados que te llevan a cualquier parte sin saber alcances y tropiezos.

    Luego pensé en esas películas que muestran esos laberintos. Pensé en los personajes de la trilogía de Alejandro González  Iñárritu: Amores Perros, 21 gramos y Babel. Luego recordé Magnolia, de Paul Thomas Anderson. La busqué y la volví a ver.

    Magnolia (1999) es una película a la que hay que recurrir, siempre. Es la mejor representación de esas tragedias que se cruzan y hacen pensar en lo que realmente importa.

    Los personajes de esta Magnolia son: Linda y Earl Patridge (Julianne Moore y Jason Roberds), el enfermero Phil (Philip Seymor Hoffman), Frank Mackey (Tom Cruise), Donni (William H. Macy), Jimmy Gator (Philip Baker Hall), el niño sabelotodo Stanley (Jeremy Blackman), el oficial Kurring (John C. Reilly) y la atormentada Claudia (Melora Walters)

    No hay que estar tan sensible como yo para entenderlo…

    Les dejo un video de la película que resume –o amplia- este post:

    jueves, noviembre 11

    Música underground iraní

    "Un docudrama sorprendentemente franco (...) abierta protesta contra la censura y la represión de las libertades individuales" (Deborah Young: The Hollywood Reporter)

    Con esta recomendación cualquier se interesa por Nadie sabe nada sobre gatos persas (Kasi az gorbehaye irani khabar nadareh) la última película del iraní Bahman Ghobadi. Pero los resultados serán aún mejor.

    Es un semidocumental que cambia totalmente el registro de Ghobadi, después de Turtles can fly (2004) o Niwemang (2006). Cámara en mano, introduce un argumento de ficción para contar una realidad. El director, que aparece también en escena, sigue trabajando con jóvenes no actores que se representan a ellos mismos.

    Negar y Ashkan desean abandonar Irán para tocar sus canciones en un festival en Londres, pero antes tendrán que formar una banda y conseguir pasaportes y visas. En esta travesía aparece Hamed, un aventurero que les irá presentando los mejores músicos del movimiento underground iraní.

    Ghobadi forma parte de la tercera generación de la Nueva Ola Iraní, un cine que se niega a callar los atropellos políticos y religiosos y que se ha convertido en una fuerza cultural del país. Nadie sabe nada sobre gatos persas tiene un final impredecible –sorprendente- que representa a toda una generación privada de sus derechos culturales.

    En Irán, los gatos y perros no pueden salir de la casa, por eso Ghobadi utiliza la metáfora de “los gatos” para representar a los jóvenes músicos que se esconden para tocar, muchos han estado en prisión. Lo mismo sucede en el cine, aunque en menor escala.

    Demás está decir que la banda sonora es excelente. El director incrusta imágenes de un país represado que se mueve al ritmo del indie rock, el metal, el pop, el reggae y más.

    En la web oficial francesa de Nadie sabe nada sobre gatos persas se pueden escuchar tres tracks: ¡PLAY!
       

    miércoles, noviembre 10

    Un sueño, una idea

    Este es el suspenso que me gusta: Un sueño dentro de otro sueño, y otro, y otro. Al principio cuesta saber cuál es la realidad hasta que le seguimos el juego a la trama. La última producción de Cristopher Nolan, Inception (El origen), nos lleva justamente a eso, al principio de una idea. Un thriller psicológico, a lo Memento, que inquieta y seduce, con una buena carga de ciencia ficción.

    Estos son los actores que me gustan: Leonardo Di Caprio es el Johnny Depp de esta década -en mi humilde opinión-. A Di Caprio le seguirá Michael Pitt. Es uno de esos buenos actores que comienzan con papelitos rosa y se convierten en mitos. Aunque Cobb, el personaje de Di Caprio en Inception, se parece más al detective Costigan de The departed, que al atormentado Teddy Daniels de Shutter Island, parece que estos dramas psicológicos le caen bien al actor. Esta vez lo acompañan: la bellísima Marion Cotillard, Ellen Page, Joseph Gordon-Levitt y mi querido Cillian Murphy.

    Estos son los efectos que me gustan: Inception se presta para efectos especiales magistrales, sin límites. No es el mundo de los sueños de Terry Gilliam, es más un mundo onírico parecido a nuestra realidad, donde, como este 'mundo' en el que vivimos, la siembra de una idea da origen a cualquier acontecimiento. ¿Cuál es el parásito más resistente? ¡Una idea! Recuerden a Conrad Brean de Wag the dog.

    Si aún no han visto Inception, después de cuatro meses de estreno en el cine, la recomiendo ver en dvd. ¡No la lean en Wikipedia por favor! Tanta explicación acaba con cualquier expectativa.

    Inception es uno de los mejores thriller que vi este año. He dicho.

    martes, noviembre 9

    Historia tanguera de una desilusión

    El cine de autor en Latinoamérica es una lotería. Esta vez me gané el triple gordo: entrada gratis a la premier gracias a la gente de Hartos de Arte, celebración del cumpleaños de mi amiga Natalia y una buena película: La cantante de Tango, del argentino Diego Martínez Vignatti.

    Aunque no recibió muy buena críticas, considero que es una muy buena propuesta. Si bien le falta fuerza a la trama, la actuación de Eugenia Ramirez Miori convence.

    Con mucha influencia del cine europeo -con detalles muy a lo Kieslowski-, La Cantante de tango tiene ese experimento muy de moda entre las nuevas generaciones de cineastas independientes que no convence mucho a un público habituado al guión de tres actos: la reiteración simbólica de un final que tarda en llegar. Lo que muchas veces pareciera dividir la trama en dos o tres partes.

    La sinopsis dice: Helena, una cantante de tangos en ciernes, está profunda y locamente enamorada. Después de una exitosa prueba con su grupo, un prestigioso teatro de Buenos Aires ofrece contratarlos. Pero le espera una tragedia: el hombre al que ama ya no quiere corresponder a su amor. Para Helena, que vive por amor y canta al amor, es el final del camino. Obsesionada y torturada por la pérdida, no puede superar el desengaño y se convierte en una sombra de sí misma.

    Esta tercera película de Martínez Vignatti (Nosotros y La marea) es una coproducción entre Argentina y Bélgica que fue rodada principalmente en Bahía Blanca.

    Me gustó el personaje de Helena. Poco a poco descubre que el dolor pasa. A veces, cuesta  creerlo.

    La música es brutal y la historia tan dramáticamente hermosa como la letra de un tango.

    Aquí una versión muy antigua de la canción Olvido, tema clave en La cantante de tango, y ahora, en mi vida.

    sábado, noviembre 6

    Schubert en el nudo 3 (sin imagen)

    Comienzo este post sobre un corto documental, citando un monólogo de otro documental: Medianeras, de Gustavo Taretto:

    “Estoy convencido de que las separaciones y los divorcios, la violencia familiar, el exceso de canales de cable, la incomunicación, la falta de deseo, la abulia, la depresión, los suicidios, las neurosis, los ataques de pánico, la obesidad, las contracturas, la inseguridad, el estrés y el sedentarismo son responsabilidad de los arquitectos y empresarios de la construcción. De estos males, salvo el suicidio, padezco todos”.

    Y es que pasar la tarde en compañía de arquitectos, viendo la proyección de los ganadores del Concurso de Cortos SCA: Buenos Aires Inprogess, me llevó a reflexionar sobre estos profesionales y la mirada que tienen sobre el mundo… y la que yo tengo sobre ellos.

    En el grupo de personas que asistimos, de diferentes profesiones y nacionalidades, se llegó a dos conclusiones: 1. El vino era de los más baratos y 2. El mejor corto, aunque no el ganador, fue Schubert en el nudo 3.

    El trabajo de Giorgio Peretti y Pablo de Laguarigue se llevó la Primera Mención Honorífica del concurso convocado por la Sociedad Central de Arquitectos. Giorgio Peretti es un arquitecto y cineasta que tuvo una participación importante en diversos festivales en 2006 y 2007 con su documental post-crisis Vacas gordas. Laguarigue también participó en este documental.

    La sinopsis de Schubert en el nudo 3 dice así: Las contradicciones del racionalismo de la planificación urbana moderna en un trabajo que posa su mirada en el Complejo habitacional de Villa Soldati, y que ensambla con conocimiento de causa, con honestidad y también con ironía (en muchos casos construida visualmente), entrevistas, testimonios y citas.

    Se trata de una contradicción habitacional. Gente que se mueve en un círculo que ni siquiera sabe cómo funciona, pero que no concibe su vida fuera de él. Los testimonios de algunos habitantes del Nudo 3, se combinan con las voces (ir)responsables del diseño de dicho laberinto vertical. Lo que es, lo que fue, lo que pudo llegar a ser…  “El teatro de la memoria” del que habla Beatriz Sarlo.

    Escenas divertidas y conmovedoras que en ocho minutos pueden hacer reflexionar a más de uno… sin necesidad de ser arquitecto.

    Para entender un poco lo que es la torre o nudo 3 del Barrio Soldati, con sus ascensores que se detienen solo en determinados pisos: ¡Leer aquí por favor! 

    Espero que el Sr. Ra encuentre y se anime a subir el enlace de Schubert en el nudo 3.

    Yo no encontré ni una imagen  :(

    jueves, noviembre 4

    Cuando el arte es un chiste

    Este es un documental dirigido por un artista callejero sobre un presunto director que quería hacer un documental sobre el mismo artista, pero luego se convirtió en artista callejero, incitado por el director del documental (el primer artista callejero).

    Este es un documental dirigido por el reconocido artista callejero Banksy sobre Thierry Guetta, un  excéntrico francés que andaba para todos lados con una cámara y que decide grabar a los artistas callejeros más importantes de Norteamérica, Francia y el Reino Unido… pero Thierry se convierte después en Mr. Brainwash, el protagonista de esta película.

    Mr. Brainwash dio un giro al arte callejero, para bien o para mal. Al final del documental, no se sabe si los demás artistas se lo agradecen o lo repudian. La verdad, no se sabe mucho sobre quién es el verdadero director y-mucho menos- sobre quién graba a quién. Lo cierto es que Exit Through the Gift Shop recoge -para deleite de muchos- las mejores imágenes del art street jamás vistas. Miles y miles de cintas que alguien tenía que descubrir. ¿Con toda la intención? ¿de manera más ingenua?… Cada quien sacará sus conclusiones.

    Muchas han sido las críticas que ha recibido este “documental” narrado por el actor Rhys Ifans. Basta con guglear el título para leer las apreciaciones, especialmente, las que insinúan que se trata de una historia muy forzada -¿documental ficcionado?-. Pero, por otra parte, está el asombro de miles de fanáticos ante secuencias inéditas de la obra de Banksy, así como el behind the scene de los trabajos de los artistas Shephard Fairey y Space Invasor, entre otros líderes del género.

    Más allá del éxito o no de Exit Through the Gift Shop, es un documental que permite diversos placeres: la cosquillita de la duda que sólo se siente después de algunas películas, las tomas clandestinas de los artistas callejeros, la visión sobre un arte que vive (en todo el sentido de la palabra) rompiendo las reglas, y volver a reencontrarse con la obra de Banksy… inigualable desde principios de los 2000.

    La gran pregunta es si el street art ha dejado de ser un movimiento contra cultural para convertirse en arte comercial, comparable económicamente al arte más clásico. Banksy ya lo dijo: “Quizás el arte sea un chiste”. Vean el tráiler y lo entenderán: EXIT THROUGH THE GIFT SHOP.

    Banksy fue invitado por la Fox para hacer un intro del tercer episodio de la temporada 22 de Los Simpsons.  A pesar de que el día del estreno “Banksy” fue el sexto término más buscado en Google y el  sexto Trending Topic en Twitter, parece que la empresa se arrepintió después… En YouTube, la apertura alcanzó a tener más de 42.300 visitas antes de ser removida por Fox debido a infracciones de copyright. Vean por qué: LOS SIMPSONS.

    La web de Banksy… cuando una imagen dice más que mil (mis) palabras: BANKSY.
      

    jueves, octubre 28

    Quiero ser una cortesana feliz

    Me gustan las películas de época, las de amores frustrados y también las de cortesanas. Creo que si hubiese vivido en la París de los 40, hubiese sido una cortesana feliz.

    La historia de Chéri (2009) no tiene nada de novedoso. Me gustan –particularmente- los actores: Michelle Pfeiffer (que repite con el director Stephen Frears), Rupert Friend, el bello actor inglés que estrenó dos películas el año pasado, Chéri y La joven Victoria (ya había hecho Orgullo y prejuicio en 2005); y la siempre grande Kathy Bates.

    La sinopsis dice así:
    "París de comienzos del siglo XX es el sofisticado centro del mundo. Los artistas de la ciudad, la moda, el teatro y la música… todo parece ir un paso por delante. Pero París es también famosa por sus cortesanas: mujeres que son bellas, inteligentes y sabias en las artes del amor que herederos o duques están deseando corresponder con grandes cantidades de dinero. Una de esas damas es Léa (Michelle Pfeiffer), quien se puede permitir llevar una vida cómoda después de haberse retirado del negocio. Un día, en una comida con una antigua cortesana, Madame Peloux (Kathy Bates), Léa conoce a su hijo Chéri (Rupert Friend), como lo llama ella. Madame Peloux tiene grandes planes para él, pero antes debe iniciarse en su masculinidad, por lo que propone a Léa que sea ella quien le ayude. Lo que empieza como un inocente flirteo pronto se torna un apasionado romance".

    Hace veinte años, Michelle Pfeiffer, Stephen Frears y el guionista Cristopher Hampton se habían reunido para otra película de época sobre relaciones amorosas que fue un éxito: Amistades peligrosas. Al parecer Chéri no ha tenido tanta suerte en taquilla, de hecho, ya se puede ver en línea doblada al español.

    Es una película para ver un domingo por la tarde en buena compañía, o, por el contrario, en medio de un despecho inconsolable… algún efecto causa.

    Me resulta muy curioso que una persona quiso compararme –o identificarme- con Léa, una mujer rica que resuelve la vida de su joven amante. ¡Qué cómico! Lo hizo justamente ahora cuando tengo dos meses pidiendo dinero prestado para comer y pagar el alquiler.

    C'est la vie, Chéri.
     

    domingo, octubre 24

    La comedia de Fatih Akin

    El año pasado vi dos de las primeras películas del premiado director turco-alemán Fatih Akin: Gegen die Wand (Contra la pared, 2004) y Auf der anderen seite (Al otro lado, 2007) ambas con excelentes críticas. Akin tiene una forma excepcional de contar historias por lo que lo considero uno de los mejores directores de estos tiempos.

    Sin embargo, su nueva producción Soul kitchen me parece que baja los niveles de calidad a pesar de que tiene buenas actuaciones y secuencias memorables. Prefiero sus dramas.

    Soul kitchen es una de esas tragicomedias con mezcla de absurdo, de realidad, de personajes disparatados y al final una solución predecible. Digamos que es muy “kusturicana”.

    Zinos Kazantsakis (Adam Bousdoukos) es el dueño de un restaurante miserable ubicado al lado de los rieles de un tren. A pesar de tanta fritura tiene sus clientes. Zinos quiere dejar el restaurante para irse con su novia otro país, pero entre tropiezos, dolores, fiestas y aventuras se dará cuenta que ese espacio es su vida.

    Un cocinero experimentado, una especie de ranger-griego, lo ayudará a encontrar su destino. Se trata de Shayn, interpretado por Birol Ünel, el sensual esposo atormentado de Contra la pared (mucho más viejo, por cierto)

    Más allá de mis impresiones sobre Soul kitchen, considero que Fatih Akin es un director del que hay que ver todo lo que haga, incluso su corto en New York, I love you

    Yo sigo apostando por él.

    viernes, octubre 22

    Bebés del mundo

    Cuando nació el primero de mis siete sobrinos, mi hermana lo cuidaba tanto –tanto- que al pobre ni siquiera le gustaba andar descalzo en la arena. Ahora veo Babies, un documental de Thomas Balmes, y recuerdo muchos episodios con los niños que he visto nacer. Es un descanso para mi mente que solo piensa en trabajo.

    Babies (2010) muestra el primer año de vida de cuatro bebés nacidos en culturas muy diferentes:
    • Mari, dulce y encantadora, es de Tokio, Japón.
    • Ponijao, es un varón muy tremendo de Opuwo, Namibia.
    • Bayar, el más divertido, nació en Bayanchandmani, Mongolia.
    • Hattie, que pareciera ser la más despierta, vive en San Francisco, California.

    En una hora y 20 minutos, estos cuatro niños nos enseñan sus primeros pasos, las primeras palabras, travesuras, el contacto con la naturaleza, especialmente con los animales, la alegría, las molestias y la relación con las madres y hermanos.

    Prácticamente, no hay banda sonora, el sonido es natural. Lo que más atrae es la diferencia entre las condiciones sociales de las cuatro familias. No es del tipo de documental televisivo con mucha producción. Babies es sencillo y delicado. Un deleite visual.

    Solamente el tráiler ya da ganas de tener uno!


    Y aquí, el documental completo en  VIMEO (CLICK!)

    ¡THE BABIES ARE COMING!
      

    jueves, octubre 21

    I love you... anybody

    No había visto una película de amor gay tan divertidamente trágica y absurda como I love you Phillip Morris.

    Se trata de una historia real: un hombre que después de estar al borde la muerte decide gritarle al mundo que es homosexual y luchar por su verdadero amor… ¡una lucha inimaginable!

    Glenn Ficarra y John Requa dirigen esta sátira que tiene por protagonistas a tres actores de buena trayectoria:

    En un papel perfecto, Jim Carrey es Steven Russell, padre de familia que oculta su verdadero yo. Un hombre que se desconoce a sí mismo pero es capaz de hacer lo que sea necesario para tener la vida que quiere, incluso morir todas las veces que sea posible.

    Ewan McGregor es Phillip Morris, más romántico y rocolero que en la misma Moulin Rouge. Es un personaje encantador. El gay que todos querrían amar para siempre.

    Rodrigo Santoro, me sigue enloqueciendo. Lo hizo como el tímido Karl en Love actually, amé el Xerxes de 300, luego el desgraciado Ramiro de la argentina Leonera, y en todas las películas y telenovelas en las que lo he encontrado. Ahora, es Jimmy, el querido novio miamero que acompaña a Steven en sus primeras andanzas.

    Leí en internet, que hubo que reeditar varias partes de la película ya que su contenido homosexual explícito dificultada la distribución. Sin embargo, esta producción de Luc Benson,  no pretende ser una abanderada del cine gay –ni del de comedia pura, supongo, pues no es lo uno ni lo otro-, por el contrario, cae en los clichés más comunes del mundo gay: promiscuidad, escándalo, frivolidad, etc.

    I love you Phillip Morris es una tragicomedia sobre una historia genial y divertida y, sin embargo, hasta una lagrimita puede sacar. No hay que pensarlo mucho, es cine-diversión.

    Se recomienda porción doble de cotufas –o pochoclos- con chocolates de colores.