martes, diciembre 27

Circunstancias del cine gay iraní


Vi Circumstance por casualidad. Buscando algo de cine oriental para una noche de fiebre y mucha gripe. Me llamó la atención una película iraní sobre el tema lésbico.

Pensé en Yossi & Jagger (2002) y Walk on water (2004) ambas de Eytan Fox. Dos experiencias de cine gay muy interesantes, pero con protagonistas masculinos. Una película sobre lesbianas iraníes, con todo el contexto social que eso implica, no me la podía perder.

Circumstance narra el viaje iniciático de dos chicas iraníes de 16 años que desafían lo establecido, se revelan como suelen hacer los adolescentes, mientras descubren su sexualidad. En la película, y en contra de lo que se pudiera imaginar, encontramos sexo, drogas y fiestas, el camino que utilizarán para revelarse en contra del sistema.*

La película no es más que un drama predecible, dirigido por Maryam Keshavarz. Aunque ganó el premio del público del Festival de Sundance, quizás por lo singular del tema, no muestra muchas sorpresas, más que unas cuantas escenas hot entre dos chicas hermosas.

Puedo rescatar dos cosas del primer largometraje de Keshavarz, la banda sonora, impecable, y la protesta directa contra la homofobia y la reducción de la mujer en tierras orientales. Sin embargo creo que la directora pudo aportar más, pues más allá del tema gay, la riqueza del tema de género en el medio oriente está mucho mejor reflejado en Persépolis, por ejemplo, o A las cinco de la tarde, por nombrar dos de muchos filmes similares.

Por suerte Circumstance no es la única referencia del cine gay iraní. Sigo con mi fiebre y me voy por una comedia romántica de Hollywood, para no pensar.


*Esta sinopsis la copié de cristianosgays.com, una web muy particular. De todo hay en la viña del Señor, diría mi abuela.

lunes, diciembre 26

Los sonidos de Estambul

“El cemento siempre es cemento. Cuando lo usas de almohada, sabes que es cemento” dice uno de los personajes de Crossing the Bridge: The Sound of Istanbul. 

La música es el refugio de los cantantes callejeros, especialmente en Estambul, la ciudad más grande Turquía, donde el contraste entre oriente y occidente ha marcado la cultura de varias generaciones.

Crossing the Bridge: The Sound of Istanbul es un documental dirigido por Fatih Akin, uno de mis directores favoritos (Soul kitchen), pero la idea fue de Alexander Hacke, miembro de la vanguardista banda alemana "Einstürzende Neubauten" durante más de 20 años, quien acompañó a Akin en la filmación de Contra la pared en Estambul. Desde entonces quiso regresar a esa enigmática ciudad para descubrir y registrar la movida musical underground y sus protagonistas.

Los ritmos y los personajes son diversos. Hacke y Akim recorren calles para encontrar la esencia musical de la ciudad y su historia. Este hace una banda sonora es impecable con la participación de los grupos y cantantes: Baba Zula, Orient Expression, Duman, Replikas, Erkin Koray, Ceza, Istanbul Style Breakers, Mercan Dede, Selim Sesler, Brenna MacCrimmon, Siyasiyabend, Aynur, Orhan Gencebay, Müzeyyen Senar y Sezen Aksu. Rock, pop, hip-hop y la clásica música árabe. Todo está ahí.

Espléndida, provocadora y aleccionadora. Crossing the Bridge es un alegato contra las fronteras. Aunque es del 2005, es un documental muy actual. Aquí una de las mejores escenas:

Salsa cubana animada

Esta es una película dedicada a Bebo Valdes, y quién más podría dirigirla si no es el talentoso Fernando Trueba, en compañía del diseñador Javier Mariscal. Chico & Rita es una mezcla de buena animación, una historia de amor y la mejor música cubana de los años 50.

Dice la sinopsis: En la Cuba de finales de los años cuarenta, Chico y Rita inician una apasionada historia de amor. Chico es un joven pianista enamorado del jazz y Rita sueña con ser una gran cantante. Desde la noche que el destino los junta en un baile en un club de La Habana, la vida va uniéndoles y separándoles, como a los personajes de un bolero.

Este es el tipo de películas en las que no importa mucho la historia predecible de un amor que sobrevive a los años, sino un dibujo perfecto, con ton y son muy caribeño, y una banda sonora de primera calidad. No menos se puede esperar de Bebo Valdés, compañero de Trueba en otros proyectos.

Javier Mariscal hizo el poster de Calle 54, el documental sobre jazz latino que dirigió Trueba en el año 2000, en el que también participa Valdés. Desde entonces trabajan juntos. Trueba también dirigió a Valdés en Blanco y Negro (2003), el documusical que une al pianista cubano con el cantante español Diego El Cigala.

Ganadora de un Goya por mejor película animada, Chico & Rita recibió los mejores comentarios. Dijo Trueba en el Festival de Cine de La Habana: “Es una carta de amor a Cuba y a los músicos de vuestro país, y al mismo tiempo es un homenaje a todas las generaciones de músicos cubanos”.

Pura salsa cubana para volver a enamorarse. 30 canciones del soundtracks lo permiten.

La lenta historia del Tío Boonmee

El Tío Boonmee sufre una insuficiencia renal aguda y decide acabar sus días entre los suyos en el campo. Sorprendentemente, los fantasmas de su mujer fallecida y de su hijo desaparecido se le aparecen y lo toman bajo sus alas. Mientras medita sobre los motivos de su enfermedad, Boonmee atravesará la jungla con su familia hasta llegar a una cueva en la cima de una colina, el lugar de nacimiento de su primera vida.
Loong Boonmee raleuk chat, 2010.


Siempre he pensado que una película es como un libro, debe disfrutarse en el momento adecuado. Si no se está en el mood, difícilmente puede llegarse hasta el último minuto o la última página. Mucho menos si son películas fuera de lo común. Es el caso de Loong Boonmee raleuk chat, o El tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas, dirigida por el tailandés Apichatpong Weerasethakul.

Mi amigo JC me dijo que la primera parte era mejor que la segunda. Y tenía razón. Sin embargo puede llegarse hasta el minuto 114 sin desesperar. Es lenta y bonita. Una historia sencilla con personajes descomplicados.

El tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas ganó una Palma de Oro en Cannes 2010, quizás por su originalidad, casi artesanal, de mostrar lo que en literatura llamaríamos realismo mágico.

Inquietante al principio, pero que no termina de cerrar. Cada quien vivirá su ensueño con el Tío Boonmee.

El legado de Pina Bausch


Magia, belleza, inspiración, sensualidad, vida. Son las palabras que se me ocurren para definir Pina, el documental escrito y dirigido por Win Wenders del que todos hablan.

Se trata de un elogio al aporte que la coreógrafa alemana Pina Bausch hizo a la danza contemporánea. Aun sin conocer su trayectoria, cualquier espectador se deja envolver por la historia que hay detrás de cada coreografía; Wenders seleccionó las más conocidas de la Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, para mantener 106 minutos de hermosas sensaciones. Una amistad de 20 años permitió que el talento de Wenders y el legado de Bausch se encontraran en este filme.

Puede ser que la danza en el cine pierda la profundidad que genera en el escenario, es como ver una obra de teatro desde la butaca más alejada. Pero en Pina no se siente ese efecto, mucho menos si se ve en 3D, donde los primeros planos son excelentes. Es una película visualmente impactante.

La dirección de Wenders es delicada y sencilla. La banda sonora inmejorable. Debo confesar que casi lloro cuando escuché Luna de Margarita del venezolano Simón Díaz.

El documental está rodado en escenarios urbanos y naturales de Wuppertal, ciudad alemana en la que Pina Bausch residió durante 35 años y hogar de la Tanztheater Wuppertal Pina Bausch.

Se sabe que el director alemán había estado trabajando con la bailarina para llevar al cine una superproducción de danza. El 30 de junio de 2099, 48 horas antes de la fecha estipulada para comenzar el rodaje, Pina Bausch murió de cáncer. Por insistencia de los bailarines de la compañía, Wenders decidió continuar con el proyecto como un homenaje a su gran amiga.

Un documental que se siente. Así de sencillo. Recomendado ver en 3D y en bonita compañía.

Aquí  les dejo una muestra de una de las coreografías más impresionantes:

En la piel de Almodóvar

Escrita y dirigida por Pedro Almodóvar, La piel que habito es una película que se puede abordar desde distintas perspectivas: la temática, las actuaciones, la puesta en escena de los valores, la buena dirección del genio español, y muchas más.

Es una película que se rechaza a la primera, pero sus escenas más fuertes quedan dando vueltas en la cabeza durante varios días. Mi amiga H. dijo que no recordaba una película tan fuerte de Almodóvar. Para mí, aquella escena del Padre Manolo en un día de playa con los niños del colegio, en La mala educación, es tan impactante como algunas de La piel que habito. Lo que sí es cierto es que Almodóvar logra remover sentimientos encontrados y reflexiones sobre el cine y la vida.

Dice el director en la web de la película, producida por El deseo: “Una historia de estas características me hacía pensar en Luis Buñuel, Alfred Hitchcock, todos los Fritz Lang (desde el gótico al noir). Pensé también en la estética pop del terror de la Hammer, o en el más psicodélico y kitsch del giallo italiano (Dario Argento, Mario Bava, Umberto Lenzi…) El lirismo de Georges Franju en “Los ojos sin rostro” también me vino a la memoria. Después de valorar todas estas referencias me di cuenta de que ninguna de ellas se ajustaba a los que yo necesitaba para “La piel que habito”. Así que decidí tomar mi propio camino y dejarme arrastrar por la intuición, al fin y al cabo eso es lo que siempre he hecho”.

Antonio Banderas hace un personaje terrible y brillante. Resaltan también las actuaciones de Elena Alaya y la sempiterna reina del cine español Marisa Paredes.

Un asunto de ética se pone en juego. Recomendable para los amantes del buen cine, ese que despierta dudas sobre el mundo en el que vivimos. Una película que produce tanta repulsión y fascinación al mismo tiempo, vale la pena verla; incluso, varias veces.

martes, diciembre 6

No me ama


Conocí a Martín Piroyansky cuando protagonizó Hoy no estoy, el cortometraje de Gustavo Taretto en el que Buenos Aires se muestra "geométrica". También actuó en XXY de Lucía Puenzo.  

No me ama (2009) es su segundo corto de ficción. Divertido y caótico como su propia imagen.

Escrito, dirigido y actuado por él, en compañía de María Canale, No me ama "dice" todo eso que pensamos cuando estamos con alguien.

Filmado en la costa de Uruguay, ya ha participado en varios festivales internacionales. 

En 16 minutos habla solo, va solo... cada quien que se mire en su espejo.

domingo, diciembre 4

La magia de Medianoche en París

Gil es el mejor personaje que he visto de Owen Wilson; antes fue Hansel en Zoolander, una comedia totalmente diferente a Midnight in Paris.

En Medianoche en París, Wilson encarna de manera muy convincente los típicos personajes conflictivos que Woody Allen hizo en la época de los 70. La película dirigida por este genio es un paseo de diversión por la historia de la literatura. Mágica, como debe ser todo en París.

Diálogos sutilmente inteligentes y románticos, la fantasía de la nostalgia, la magia que es posible en el cine del director que sabe encantar, aunque no todos sus películas son  precisamente encantadoras. Algunos la han llamado “un cuento de hadas”. Para los que estamos cercanos a la literatura, puede ser “un gran sueño hecho realidad”.

Mi amiga F dice que con Media Noche en París, Woody Allen sigue una saga que comenzó con Vicky Cristina Barcelona donde rinde homenaje a las ciudades que ama, a manera de despedida. Puede que sí, puede que no.

Para mí, fue un regreso a La rosa púrpura del Cairo, donde la felicidad estaba al liberarse de la pantalla. En Media noche en París, basta subirse a un auto para ir a sentarse en la mesa de algún cabaret con la intelectualidad bohemia de los años 20.

En una escena brillante un muy joven Ernest Heminway le comenta a Gil: “ningún tema es horrible si la historia es verdadera y si la prosa es limpia y honesta, y si manifiesta... valor y elegancia bajo presión”.

Woody Allen sí que sabe contar sus historias.

Historia de amor real y azul

Obviemos que muero por Ryan Gosling, y que Michelle Williams me parece una actriz que promete, desde que era una niña rebelde en Dawson´s Creek.

Obviemos que las películas de conflictos amorosos me mueven ciertas “cosas” personales, especialmente las que reflejan el tema de pareja y familia dentro de un contexto social desafortunado.

Entonces pensemos en Blue Valentine como una buena opción para una noche de cine en casa.

Los reproches vendrán después.

Después de ir a google a ver qué más ha hecho el director Derek Cianfrance. Después de leer un par de críticas que justifican las dieciocho nominaciones de la película a diferentes premios y varios galardones para los actores. Después de deleitarse con las actuaciones de ambos: Gosling soberbio, recio y atractivo como siempre en un personaje que recuerda al Paul Newman de Un tranvía llamado deseo; Williams, con una actuación de carácter extraordinaria. Diálogos que se mueven entre lo defensivo y lo ofensivo, hirientes, como la vida misma.

Y digo, los reproches vendrán después, porque actuaciones como éstas son tan convincentes que lo que provoca es hacer esa llamada que hemos retrasado por días y gritar: ¡hijo de puta!

Después viene la liberación… esa es la magia del cine.

Pd. ¿Mencioné que la película es excelente?

lunes, octubre 31

Amor del más allá, por Spike Jonze

Para vivir el amor más allá de este mundo, un cuento shakespierano de Spike Jonze con el stop-motion más delicado.

Sin ninguna explicación ni porqué, aquí está:  

Mourir auprès de Toi (To Die By Your Side)

Amor maravilloso entre libros y dos mundos, el de los vivos y el de los muertos.


Spike Jonze: Mourir Auprès de Toi on Nowness.com.

lunes, octubre 24

Submarino adolescente

Con 15 años, ya nos creemos adultos. Más si estamos enamorados. Lo peor es creerse adulto, estar enamorado, tener una familia disfuncional y ser el perdedor. Oliver  lo sabe muy bien. Todo le pasa, aunque solo quiere salvar su relación (tan extraña como una reflexión quinceañera) y el matrimonio de sus padres, una tarea difícil para la adolescencia prematura.

Craig Roberts, pálido y de ojos saltones, es el niño-actor revelación que da vida a este personaje en Submarine, el primer largometraje de Richard Ayoade.

Submarine, comedia irónica y trascendental, es un retrato fiel y divertido del infierno de la vida de los adolescentes de las escuelas del Reino Unido. Todo es posible en la mente de un chico ávido de experiencias. El tema del divorcio, la enfermedad, el amor y la decepción, mantienen sutilmente esta historia.

Hermosa actuación de Craig Roberts y, mejor aún, de la polifacética Sally Hawkins, como la madre impávida de Oliver.

No perderse la banda sonora de Alex Turner ¡mágica!
100% recomendada.

A ver quién descubre el cameo a Ben Stiller, productor ejecutivo de Submarine.

jueves, octubre 6

Los Dardenne en bicicleta

La ganadora del premio del jurado de pasado festival de Cannes, es una película de los hermanos Dardenne. Después de la intriga de El silencio de Lorna, y el postergado estreno de Rosetta en salas suramericanas, ya hacía falta ver esos personajes sencillamente complicados de los filmes  de Jean-Pierre y Luc Dardenne.

Le gamin au vélo (El niño de la bicicleta, 2011) es un drama cerrado. Empieza y termina perfectamente, por lo menos en lo que se refiere a esos conflictos que se nos hacen tan familiares. La soledad de la que no se habla, las relaciones con ese otro que amamos y odiamos y, en especial, esa manera tan “madura” que tienen algunos niños de entender el mundo.

La historia no tiene muchos artilugios: Cyril (el actor revelación Thomas Doret), es un niño de 12 años que vive en un hogar para menores, solo piensa en reencontrarse con su padre, pero él no quiere verle más. Cyril pasa los fines de semana con una madre adoptiva (Cécile de France). Una peluquera que se verá obligada a compensar el déficit de afecto que pone al chico al borde de la marginalidad de por vida.

Más allá de los directores y del drama francés que me gusta, Cécile de France me encanta. Un secret (Claude Miller) fue la mejor película que vi en el año 2008 y con ella entendí que Cécile de France, es como la Jeanne Moreau de esta época.

jueves, septiembre 29

Ganar o no

El poster de Win Win, ya indica lo lamentable que será la historia, no sólo porque muestra dos sujetos con cara de perdedores sentados solos en unas gradas, sino porque uno de ellos es Paul Giamatti.

Escrita y dirigida por Thomas McCarthy, Win Win (Ganamos todos, 2011) tiene una nominación  a los ESPY Awards y muy buenas críticas, especialmente por las actuaciones de Giamatti, Amy Ryan y el joven revelación Alex Shaffer.

La historia va así: Mike Flaherty es un abogado sin demasiada suerte en su trabajo que dedica su tiempo libre a entrenar a los muchachos de una escuela de lucha libre. Ante los apuros económicos, Mike asume la defensa de un viejo cliente con la esperanza de mantenerse a flote. Pero, aparece el nieto adolescente de su cliente que, además, es toda una promesa deportiva. Todo cambia.

Ya McCarthy me había deslumbrado con sus personajes bien logrados en The visitor. Inolvidable actuación de Richard Jenkins.

Perdedores somos todos. En algún momento de nuestra vida llegamos al fondo y, si el tema es lo económico, cuánto cuesta salir del agujero. De eso tengo mil historias.

Lo que me gusta de Win Win, además del título de entusiasmo-emprendedor-porteño, es la semejanza que tiene con The Blind Side, película por la que Sandra Bullock ganó un Oscar. Esa necesidad de la mujer de proteger al indefenso, de la manera que sea. Desde la mamá pingüino que guarda a su cría en su regazo para que no muera de frío, hasta la indígena que camina kilómetros de tierra seca con el niño atado en la espalda. La maestra abnegada, la tía preferida, la vecina más vieja.

Aunque el personaje principal de Win Win es Mike, interpretado por Giamatti con esa carga de bonachón sin remedio, es la madre de la familia, Jackie, la que capta toda mi atención.

Películas como ésta reivindican ante mí el papel de madre ejemplar, esa que, quizás, nunca seré.

jueves, agosto 25

Loco y estúpido amor

Parece que Crazy, Stupid, Love es una comedia romántica más con las que Hollywood nos bombardea todo el tiempo. Pero no. Puede que el tráiler no la venda muy bien.

Cal (Steve Carell) y Emily (Julianne Moore) han llegado a un momento difícil en su matrimonio. Emily quiere el divorcio y Cal se desploma, hasta que conoce a Jacob (Ryan Gosling), un gigoló profesional que se toma la molestia de ayudar a Cal a recuperar su estima y valentía. Un par de personajes secundarios se unen a la proeza. El resultado una profunda visión de temas clichés del cine: el amor, la pareja y la familia.

Luego hay otras historias: la relación entre padres e hijos, la infidelidad, la cotidianidad en parejas maduras, el primer amor, la renuncia, la entrega. Comedia nostálgica y reflexiva.

El elenco es de primera: Steve Carell, Julianne Moore, Ryan Gosling, Marisa Tomei, Kevin Bacon y Emma Stone. Es uno de los mejores personajes de Carell, sus expresiones van desde la dramática cara del hombre devastado,  hasta lo ridículamente divertido.

Crazy, Stupid, Love, dirigida por Glenn Ficarra y John Requa, da un respiro a un género obsoleto.

Fui con mis sobrinas al cine a ver esta película. Como es de esperarse de tres chicas solteras: enloquecimos con  Ryan Gosling. Realmente creemos que se hizo photoshop*



* Ver tráiler para comprender chiste interno.

Hogwarts: la batalla final

Terminó la saga. La historia del mago más famoso de esta época llego a su fin, y con ella todos los secretos de Hogwarts.

Para personas como yo, que entendieron que era mejor ver las películas que leer los siete libros y no molestarnos en conocer los pormenores de la historia antes de los estrenos en el cine; Harry Potter and the Deathly Hallows (II) descubre todos los secretos de la vida de Harry.

Un final lleno de acción hace de ésta una de las mejores películas de la saga. Increíblemente bien producida y con un clímax muy bien logrado, se lleva a cabo la batalla de Hogwarts, entre la Orden del Fénix  y Voldemort. 

Considerando que la primera entrega de la Deathly Hallows hizo hincapié en la profunda sensación de pérdida y aislamiento entre Harry, Ron y Hermione, el guionista Steve Kloves y el director David Yates dejan atrás la atmósfera de pesimismo para dar paso a batalla urgente. Varias secuencias son memorables, especialmente los flashback, fundamentales en la historia. Círculo cerrado a los Tarantino.

Mi amigo R y yo coincidimos en algo: esperábamos más de nuestro héroe Severus Snape (Alan Rickman). Aunque es la clave de todo el filme, queríamos más acción, más protagonismo de parte de este personaje misterioso y encantador. Rickman se destacó en todas las películas y sus escenas dejarán un dramático recuerdo. Muchos han catalogado a Snape como uno de los personajes más complejos de la literatura juvenil.

Quedé satisfecha con el cierre y la despedida de los tres amigos inseparables: Harry, Ron y Hermione. Aplaudo el trabajo de David Yates por llevar las últimas cuatro películas al cine y mantener el elenco estable: Daniel Radcliffe, Emma Watson y Ruper Grint.

Ya encontraré otro mago al que seguir, mientras encuentro mi Patronus.

viernes, agosto 19

Buñuel y Los olvidados

¿Cuál es el criterio de la Unesco para nombrar Los olvidados como "Memoria del Mundo"?, ¿acaso fue un mensaje post apocalíptico dirigido por una institución que, suponiendo sus buenas intenciones, no puede luchar contra la miseria y la debacle social?…

Son muchas las interrogantes que me vienen luego de ver esta película de Luis Buñuel filmada en 1950 y por la que el director ganó un premio en el Festival de Cannes, además del reconocimiento internacional después de la prohibición del filme en los cines mexicanos.

Hablamos de los años 50. Se trata de un grupo de adolescentes que viven en un barrio marginal de México y se comportan como adultos: aman, odian, hieren y matan.

Por más que se lea sobre la película, especialmente en Wikipedia donde la cuentan toda, sigue impresionando con ese surrealismo característico de Buñuel.

No puedo dejar de comparar a Pedro, Jaibo o cualquiera de los otros personajes con Antoine Doinel, uno de mis personajes favoritos del cine, como muchos sabrán.  Niños que crecen bajo la sombra de la culpa, personajes con los que los directores, Buñuel, Truffaut y muchos más, tocan la sensibilidad de los espectadores.

Recordé esta frase de Halbwachs: “La imagen que el grupo tiene del ambiente que lo rodea y de su estable relación con ese ambiente, es fundamental para la idea que el grupo se forma de sí mismo, y penetra cada elemento de su conciencia, moderando y gobernando su evolución”.

Más allá de mis divagaciones sociales. Los olvidados es considerada una de las mejores películas de Buñuel y del neorrealismo italiano.

Mi amigo JuanR me prestó esta película. Juntos vimos 18 Roughs, de Kijû Yoshida. No hay mucha diferencia entre este grupo de muchachos que no tienen oportunidad en una sociedad implacable y el grupo de trabajadores campesinos que llega a la ciudad industrializada a buscar una mejor vida. En ambas propuestas la modernidad construye murallas. Un muro en San Isidro, una ciudad amarilla en la que sos bienvenido, una persona que agrede a otra por su condición social… no hay mucha diferencia.


miércoles, agosto 17

Cine (sexo) mexicano

Año bisiesto es una película perturbadora. Tanto lo fue para mí, que hace semanas que la vi y apenas hoy –noche desgraciada- escribo sobre ella.

Juan Cruz me advirtió sobre algunas escenas fuertes de sexo y sado, pero esas secuencias, muy bien logradas por cierto, no me afectaron tanto como la esencia de la historia: la soledad.

Dirigida por el australiano-mexicano Michael Rowe, cuenta la historia de Laura: “una reportera freelance (¿yo?) que vive en el DF. Es una joven de origen oaxaqueño, indígena, poco agraciada físicamente, según el discutible estándar de belleza. Vive en la soledad (¿?), visitada periódicamente por su hermano menor, mientras satisface su sexualidad con amantes ocasionales o masturbándose mientras espía a los vecinos (¿?). Una noche lleva a su departamento a Arturo (¿amigo X?), con quien inicia una relación sexual anómala, cada vez más degradante y cruel pero también, paradójicamente, más cariñosa. Así, ella se somete al dominio de su amante hasta límites insospechados. (Sinopsis de correcamara.com.mx, sin las interrogantes)

Laura (Mónica del Carmen) y Arturo (Gustavo Sánchez Parra – Amores Perros-) se entienden sin hablar mucho, basta estar desnudos. El tema del sado puede publicitar mucho una película, más si es de corte independiente e intimista, pero el asombro y lo grotesco ocupan otro lugar en Año bisiesto.

La decadencia y la soledad juegan un papel fundamental en la trama. Bisiesto es el año que Laura recuerda y en el que quiere permanecer para siempre. Bisiesta parece esta noche de frío en la que –después de leer este post- algunos correrán a buscar la peli, o a mi ventana.

domingo, julio 17

Artillería pesada contra la CIA

Aunque con elementos muy Hollywood, ya predispone saber que Sean Penn está involucrado en el filme. Uno espera otra cosa. El patriotismo norteamericano, que tantas náuseas da en las películas de guerra y espionaje, es mucho más digerible cuando toda la artillería va contra la Casa Blanca.

Así es Fair game (mal llamada en español Caza a la espía), la película basada en hechos reales que cuenta la historia de Valerie Plamer, la mujer que fue a juicio por revelar los expedientes del CIA que desmentían la presencia de armas nucleares en Irak.

Dirigida por Doug Liman (el mismo de la saga Bourne) y protagonizada magistralmente por Naomi Watts y Sean Penn, Fair Game muestra como funcionarios de la Casa Blanca revelan la identidad de la espía Valeria Plamer y desacreditan a su esposo, el diplomático Joe Wilson. Wilson había escrito un artículo en el New York Times asegurando que la administración de Bush manipuló las investigaciones sobre armas de destrucción masiva para justificar la invasión de Irak.

Más allá de mis inclinaciones ideológicas, es una buena película. Con mucho suspenso, actuaciones impecables y un guión que raya en el documental. Es un registro público y una dura crítica al gobierno norteamericano.

Leí en internet este comentario “sinceramente deberían mostrar esta película en escuelas durante los próximos 100 años - debería ser considerada y requerida en clases de Historia. Pienso que es importante que este trocito del pasado no sea barrido bajo la manta en cualquier momento actual. Elogio a los fabricantes de esta película, elogio a Joe Wilson y Valerie Plame”.

Sr. Crítico-anónimo: no sé si esta película debería mostrarse en los colegios, yo preferiría que mostraran Metrópolis, Matrix o The Wall, pero me quedé tan indignada con el sistema, como Usted. Eso hace el buen cine.

martes, mayo 31

“Y en el principio, era el caos”

Este es un corto protagonizado por Lindsay Lohan y dirigido por Richard Phillips y Taylor Steele en homenaje a la película Persona de Ingmar Bergman, presentado en la 54 edición de la Bienal de Venecia.




Este es el intro de Persona, de Bergman, dirigida en 1966.



Sin palabras.

domingo, mayo 22

Incendies... hermosa y decadente

En estos tiempos, lo que salva una retorcida –y repetida- historia griega, es un buen director. Ya no están Orson Welles o Kurosawa para las buenas adaptaciones. Un cine nuevo, que cuenta con mejores recursos, tiene ahora la responsabilidad.

El director canadiense Denis Villeneuve se atrevió con Incendies, basada en la obra teatral del mismo nombre del dramaturgo libanés Wajdi Mouawad. La sustancia de Incendies es, como en Antígona, un muerto reciente que no encuentra descanso.

Aunque muy apocalíptica, la sinopsis de Cinelandia es la más completa:  "Incendies nos sumerge en el duro y, en último término, excesivamente retorcido drama de dos hermanos mellizos canadienses, Simon y Jeanne, cuya madre, al morir, les encarga que busquen a un padre ausente y a un hermano del que desconocían su existencia. Esta búsqueda les llevará a la tierra materna, Líbano, donde poco a poco conocerán la verdadera historia de su madre, Nawal Marwan, al tiempo que la de los negros años de guerra en el país de Oriente Próximo. Nada les ha preparado para lo que van a encontrar allí, que será conocer su propio origen".

El film fue elegido para representar a Canadá en los Oscar 2010. Cuenta con una dirección ejemplar, con unos saltos de tiempos interesantes; y las interpretaciones sobrias de Lubna Azabal, Mélissa Désormeaux-Poulin, Maxim Gaudette y Rémy Girard. Abundan las escenas llenas de crudeza para mostrar los efectos devastadores del conflicto armado.

Es una metáfora del dolor de la guerra. Sentí la misma sensación con Vals in Bashir o Turtles can fly… pueblos enteros que no pueden vivir de otra manera, lamentablemente.

Esta vez no cantaré la canción Zona cero de Ismael Serrano, ni recitaré el poema Tristes guerras de Miguel Hernández. Esta vez me quedaré con el placer de una buena película y escucharé la canción principal de su soundtrack: You And Who's Army? de Radiohead... hermosa y decadente.

Animado con buena música

Es la combinación perfecta para despejar la mente y pasar un buen rato: un animado con banda sonora exquisita.

Es el caso de Goshu, el violoncelista (Sero hiki no Gôshu) del director japonés Isao Takahata. La película es de 1982 y vaya que se nota en la técnica, pero no por deficiencias, sino por la limpieza del dibujo y el buen uso del color, sin saturaciones.

Esta es la historia de Goshu, un solitario violoncelista profesional que, durante el día, atiende su huerta y, por la tarde, va a sus ensayos. Durante los ensayos para los recitales, el director de la orquesta se molesta con él porque no está tocando suficientemente bien. Goshu parece que no está conectado con su instrumento, pero una serie de visitantes inesperados lo ayudarán con sus ensayos: ¡animales que hablan! Lógico, es una película para niños.

Goshu, el violoncelista es un cuento con su típica moraleja: dejarse ayudar por los demás nos lleva por buen camino.

“Agarre consejo” diría mi abuela.

sábado, mayo 7

El regreso de Ghostface

Pablo quería ver una película re-pochoclera para desestresarse un poco, pero ya había visto todas las comedias que estaban en cartelera. Así que me invitó a Scream 4. Dudé porque también quería ver algo más divertido, pero no nos equivocamos. Más que asustarnos, nos morimos de la risa con el regreso del asesino de la máscara.

Resulta que esta cuarta entrega de Scream, dirigida por Wes Craven, se aferra a las nuevas tecnologías para continuar la historia del asesino anónimo de Woodsboro. Se han filmado películas de las historias reales, se creó un cineclub, los videos de los asesinatos se ven por internet, el asesino y sus víctimas se comunican por sus iPhone, y los diálogos están cargados de términos 2.0. Es genial ver como se desvirtúa –o más bien “virtualiza”- la historia original.

La sinopsis dice: Sidney Prescott (Neve Campbell) ha logrado olvidar los asesinatos que ocurrieron en Woodsboro 10 años atrás. Ahora, convertida en una exitosa escritora, vuelve a su pueblo natal en la gira de promoción de su nuevo libro. Allí se reencontrará con el Sheriff Dewey (David Arquette) y con Gale (Courteney Cox), que ahora están casados. Pero su regreso estará acompañado de una nueva ola de crímenes perpetrados por su viejo conocido, Ghostface.

Además de los sobrevivientes de la saga, participan Emma Roberts (Aquamarine), Hayden Panettiere (la porrista de la TVserie Héroes), Rory Culkin, Nico Tortorella, entre otros.

En un paneo interesante aparecen Anna Paquin y Kristen Bell (Verónica Mars), más asustadas que nunca.

Parece que a Craven no le fue muy bien con esta entrega por lo que aseguró que, a pesar de la baja taquilla, es el amor de los fans por la saga lo que la mantiene viva. ¡Cuidado con los cuchillos!
 

martes, mayo 3

Más de Miyazaki

No tengo que repetir que Hayao Miyazaki es uno de mis directores favoritos, que sus películas son como un bálsamo (cursi y todo) y sus animaciones han inspirado a generaciones de cineastas y diseñadores. No, no tengo que repetirlo.

Nausicaä del Valle del Viento la dirigió en 1984, basado en el manga que tardó 12 años en escribir y que había publicado dos años antes.

La historia se sitúa en el futuro, 1000 años tras los “Siete Días de Fuego”, un suceso provocado por la excesiva industrialización del ser humano, y la contaminación que provocó. Aunque la humanidad sobrevivió, la tierra recibió una gran contaminación y los mares son venenosos. Gran parte del mundo está cubierta por el Fukai, un bosque tóxico donde viven insectos gigantes que defienden su hábitat.

Parece muy fatalista, pero Nausicaä (Kaze no tani no Naushika) es una linda historia sobre la valentía de una princesa y el amor que su pueblo siente por la naturaleza. Al igual que en Mononoke Hime, Miyazaki da vida a personajes fuertes y llenos de esperanza.

Se trata de salvar al mundo de la contaminación y los grupos poderosos y armados que quieren adueñarse de las tierras fértiles. ¿Algún parecido con la realidad?

También lo he dicho antes, el cine funciona como una enciclopedia histórica. Ver para entender…

Amor para quinceañeras

Una historia de amor para un domingo lluvioso. Esa es la categoría que le doy a Waiting for forever, dirigida por el actor James Keach.

La historia va así: Will pierde a sus padres en un accidente de tren a los 10 años de edad. Emma se convierte en su refugio. Unos 10 años después Will sigue obsesionado con Emma y sus recuerdos. Es así como la persigue por todo el país. Es un vago, trabaja en las calles y no se responsabiliza por nada más que por seguir a la mujer de sus sueños. Emma tiene sus propios problemas.

Esta película tiene un público muy definido, primero por la historia, un amor mágico de esos que sólo encontramos en el cine, y, segundo, por los actores: Tom Sturridge y Rachel Bilson.

Rachel sigue siendo la chica fashion que conocimos en la tv serie The OC: hermosa, ícono de la moda de jovencitas y carrera asegurada de Hoolywood.

Tom, el joven protagonista de Pirate Radio, es el príncipe moderno inglés con el que cualquier chica sueña. Bien parecido, romántico y, por si fuera poco, malabarista.

Mención especial merece la participación de Richard Jenkins como el padre moribundo de Emma. Es la actuación, y el personaje, salvavida de la película de Keach.

¿Qué más decir? Sí. A veces, también me gusta el cine para quinceañeras.

lunes, mayo 2

La cuenta regresiva

Este documental me recordó a Michael Moore y su teoría de la “política del terror norteamericana”. Countdown to Zero es tan apocalíptico como el documental de Al Gore y toda esa cortina de humo mediática que tanto crítica Moore en Bowling for Columbine.

Está dirigido por la documentalista Lucy Walker, quien ganó un Oscar en el 2006 por Blindsight, una historia real sobre seis adolescentes ciegos tibetanos que suben el pico de Lhakpa-Ri del Monte Everest, conducido por el también invidente Erik Weihenmayer.

Pero Countdown to Zero no se refiere a persona invidentes capaces de alcanzar retos, o adolescentes, o montañismo, sino a las bombas nucleares y la visión gringa sobre quiénes son las víctimas y sus victimarios.

Solamente el título ya es un alerta a lo que veremos. Confesiones, encuestas, opiniones de expertos, imágenes documentales… todo bajo una frase leída por John F. Kennedy en un discurso: “Todo hombre, mujer y niño vive bajo una espada de Damocles nuclear, que pende del hilo más delgado, capaz de cortarse en cualquier momento, por accidente, error de cálculo o locura. Estas armas de guerra deben ser abolidas antes de que ellas lo hagan con nosotros”.

El documental cuenta con la participación de Tony Blair, Jimmy Carter, Mikhail Gorbachev, Robert McNamara, entre otros conocedores, y algunas imágenes impactantes de J. Robert Oppenheimer, el inventor de la bomba atómica.

Por mucho esfuerzo de Walker en “documentar” un hecho real (se sabe que hay más de 32mil armas nucleares en mundo, principalmente en Estados Unidos y Rusia) no hay punto de equilibro en este documental –objetividad, lo llamaríamos en periodismo-. No es más que un panfleto irónico sobre un tema que la opinión pública conoce.

La proliferación nuclear es muy posible en estos tiempos gracias a la tecnología, el tráfico ilegal y almacenamiento de  uranio enriquecido y plutonio crea alarma en el mundo. Y, aunque más de cien países hayan rechazado armas nucleares, otros cientos, como Estados Unidos y Rusia, conservan celosamente sus reservas.

El camino no es el proselitismo político, es documentar. No jugar con lo serio.
  

martes, abril 26

Country a lo Gwyneth Paltrow

Country strong es una de esas películas que parecen hechas para vender un soundtrack. Es el segundo largometraje de Shana Feste.

Gwyneth Paltrow hace el papel de Kelly Canter, una cantante de country atormentada por su pasado pero con mucho talento.

Se trata de dos historias de amor, la de Kelly y su esposo James, y la de los novatos Chiles Stanton (Leighton Meester) y Beau Hutton (Garrett Hedlund) Una gira los une a los cuatro. Los conciertos, enredos románticos y los viejos demonios acechan para destruirlos a todos.

Sin duda alguna Garrett Hedlund se roba las cámaras con su look de galán tejano inspirado en el cantante y compositor Henos Carll, quien además escribió varias de las canciones del soundtrack. Además de ser atractivo, tiene esa vos dulzona del country que a tantos gusta y, a otros, fastidia. La ventaja de Hedlund es que canta con pasión el country más tradicional, mientras que los otros personajes cantan country-pop. Así que al que no le guste mucho este género no se moleste en ver esta película donde se interpretan ¡38 canciones!

Por otra parte, el personaje de Kelly Canter me recordó mucho a Sylvia Plath, interpretada por Gwyneth en el 2003. Tanta belleza y angustia en un solo personaje, puede ser perturbador.

Igual que en Burlesque, con Cher y Christina Aguilera; en Country strong se demuestra que en la música -y en el cine-, las veteranas siguen siendo las que mandan.

“That's how it's done, sweetheart”, dice el personaje de Kelly Canter.

Parece que Gwyneth Paltrow quiere hacer carrera como cantante, quizás con Chris Martin en la familia no sea suficiente… para los que tienen dudas sobre sus dotes musicales, aquí va una muestra:

lunes, abril 25

El camino de Peter Weir

Peter Weir dirige películas desde finales de los años 60. De 29 títulos se destacan La sociedad de los poetas muertos (1989), The Truman Show (1998) y Master and Commander (2003).

En el 2010 se estrenó con The way back una odisea bélica protagonizada por Ed Harris, Colin Farrell y Jim Sturgess (Jude de Across the universo)

Son más de dos horas de angustias basadas en una historia real, que recuerdan a Viven (1993), aunque por momentos decae el interés. Un grupo de presos de un campo de trabajo de la Unión Soviética, junto con otros cuatro compañeros de cautiverio, huyen del gulag siberiano en el que están recluidos e inician un peligroso viaje a través de miles de kilómetros de terreno hostil tratando de llegar a la India. Guiados por la esperanza de alcanzar la libertad, deberán enfrentarse a las condiciones más adversas de sus vidas.

La historia es cautivante, pero la película no mueve mucho, parece que lo majestuosidad del paisaje se “come” la trama.

Sin embargo, las actuaciones de los protagonistas son excelentes, especialmente de Colin Farrell que aunque –sabemos- no le cuesta hacer del chico malo, aquí hace de un ser temible por todos. Farrell solo actúa en una parte de la película, y es suficiente.

También, tomen en cuenta la actuación de Saoirse Ronan la aclamada actriz de Expiación.

La pandilla de Jean-Pierre Jeunet

Vuelve la pandilla única de Jean-Pierre Jeunet. Dany Boon, Yolande Moreau, Julie Ferrier y Dominique Pinon, entre otros, protagonizan la nueva comedia de director francés: Micmacs à tire-larigot (2009).

“Primero fue una mina que explotó en medio del desierto de Marruecos. Años más tarde, era una bala perdida que se alojó en su cerebro... Bazil no tiene mucha suerte con las armas. El primero lo convirtió en un huérfano, el segundo lo tiene al borde de la muerte súbita, instantánea. Fue puesto en el hospital después de su accidente, Bazil no tiene hogar. Por suerte, nuestro soñador de gentil talante es rápidamente acogido por un grupo variopinto que le mostrará un mundo que nunca antes había imaginado.”

Aunque la sinopsis no dice mucho, la película gira en torno a una dulce venganza y, mucho más allá, lanza un alerta al mudo de las armas, sus empresas y sus empresarios.

Nominada a tres premios César, Micmacs, un gran follón resulta una mezcla de suspenso y comicidad. La han denominado thriller-comedia. Con mucha creatividad y suerte los pandilleros logran su cometido, más que la venganza, una buena película. El cine de Jean-Pierre Jeunet que hace feliz.

Lo de “gran follón” nunca lo entendí. ¡Alguien que me lo explique por favor!
 

martes, abril 19

Essential Killing (BAFICI)

Este héroe no dice palabra alguna, no sabemos su nombre, y es difícil llamarlo “héroe”  considerando lo que es capaz de hacer. Lo cierto es que es un personaje difícil de olvidar. Especialmente, por la interpretación memorable de Vincent Gallo.

Essential Killing, dirigida por el veterano Jerzy Skolimowski, es una coproducción entre Polonia, Noruega, Irlanda y Hungría.

Dice parte de la reseña del BAFICI: “La acción comienza en las montañas afganas, donde un guerrillero talibán es descubierto y capturado por fuerzas occidentales. Torturado e interrogado por los militares, es trasladado a una de las bases de máxima seguridad que EE.UU. tiene en el este de Europa. El resto de la película narra la fuga desesperada del guerrillero a través de un bosque nevado”.

No caben discusiones políticas ni filosóficas sobre talibanes, soldados norteamericanos, bases, prisioneros, etc. Essential Killing se justifica en la actuación impecable de Gallo, en el argumento definido por la huida y las reacciones humanas, en la fotografía y las secuencias de acción, en la constante angustia.

Skolimovski construye el drama a partir de un hecho actual, pero la carga de simbolismos  que contiene Essential Killing da para cualquier contexto.

Definitivamente, lo mejor que vi en BAFICI 2011.

Para muestra, un botón…


 

Harisma (BAFICI)

Mauricio me felicitó por la elección. A Fedora le pareció una “divertida película dominguera”, mientras que JR la encontró llena de clichés –especialmente el antihéroe como galán-. Es Harisma, la ópera prima de Christina Ioakeimidi.

Ismini (Vaso Kavalieratou) tiene treinta y pico. Tiene un novio, pero ese novio no es todo para ella. Es maestra, y además cuida a un nene, que la quiere, pero ella no es la madre. Ismini es bella y delicada, pero su vida emocional es frágil. Haris (Efthymis Papadimitriou) es un chofer simplón con un físico no especialmente agraciado. Pero sonríe, tiene temple de acero emocional y es de lo más persistente que se pueda encontrar”. Esta es la reseña del BAFICI.

Se trata de una comedia romántica griega que, seguramente, está llena de clichés -como casi todo el género-, sólo que Harisma suma más sexo explícito que la típica historia de amor.

Rescato una que otra escena de neurosis de los personajes, pero me causa ruido el énfasis de la violencia masculina. Esa “cosa antropológica” de ejercer poder sobre la mujer.

Aunque me reí con varias escenas, y reflexioné en otras más de típica treintañera, me pasó lo mismo que con otras comedias románticas europeas… la sentí vacía, como que algo le faltó. Predecible de principio a fin.

Fedora tiene razón, es una película "divertida dominguera".

domingo, abril 17

William S. Burroughs: A Man Within (BAFICI)

Se dice que William S. Burroughs es una de las figuras más transgresoras de la literatura universal y que su escritura es inclasificable. Es difícil definir por cuál razón es más conocido: por ser pionero de la literatura gay después de la publicación de su libro Naked lunch; por haber iniciado la generación BEAT, por asesinar a su esposa mientras ambos estaban drogados, por ser reconocido como el padre del punk, o cualquier otra anécdota.

Lo cierto es que es un personaje muy rico para contar una historia. El norteamericano Yony Leyser lo hizo bien dirigiendo William S. Burroughs: A Man Within.

El documental presentado en la sección Arte y Aparte del BAFICI entrelaza diversos aspectos de la vida de Burroughs: su homosexualidad, las armas, las drogas, la música, la relación con su hijo y su incursión, menos conocida, en el mundo de las artes plásticas. Se trata de un anecdotario en el que sus amigos más cercanos cuentan detalles de su polémica vida.  

Burroughs siempre estuvo rodeado por reconocidos escritores, cineastas y músicos. Es agradable ver en el documental los rostros y opiniones de Patti Smith, Allen Ginsberg, Iggy Pop, Amiri Baraka, David Cronenberg, Bono, Sting, Kurt Cobain, Gus Van Sant, entre muchos otros. Mención aparte merece el actor y director John Waters, quien funge de hilo conductor del documental.

Para conocer más este personaje, los remito a un artículo interesante: El universo extremo y delirante de William S. Burroughs.

Buena elección de mi amigo Juan Cruz… los poster de esta entrada también son de su elección.
 

sábado, abril 16

The Affair (BAFICI)

Kijû Yoshida dice que su cine es el “anti-cine”. Sus dramas son “anti-melodramas”. Por eso la trama de The Affair parece más una telenovela mexicana que una historia de amor japonesa.

“La estoica Oriko, avergonzada de pequeña por las relaciones licenciosas de su madre con amantes más jóvenes –e incluso de menor clase social–, descubre de a poco su propia sexualidad y se descubre siguiendo los pasos de su madre. El camino la lleva hasta los mismos hombres, aunque ella va a tomar decisiones diferentes”, se lee en la reseña del BAFICI.

Lo importante de The Affair no es el desenlace de la historia, llena de clichés y absurdos (tanto que mucha gente del público se reía), sino los detalles de la filmación.

Yoshida me cautivó con sus secuencias y manejos de luz en 18 roughs, y esos elementos característicos de su cine se aprecian también en The Affair. El detalle es lo más importante.

En una entrevista publicada en "Sin aliento", el periódico oficial del BAFICI, Yoshida dijo que “en la tradición de cine japonés (bueno, casi del cine todo), la mujer ha sido siempre un objeto. Pero siempre lo fue de una forma denigrante. Siempre se le asignó la responsabilidad materna o marital y se la privó de su libertad, de su voluntad. Y, obviamente, está el aspecto de construirla como un objeto sexual, la mujer mirada por los hombres. Intenté cambiar eso. Que fueran ahora las mujeres las que miraban a los hombres como objetos sexuales. Creo que  he triunfado en ese sentido. Al menos eso espero”.

The Affair fue filmada en 1967 y protagonizada por Mariko Okada. Además de ser la esposa de Yoshida, y representante del cine japonés de la década del 60, protagonizó 11 de sus películas. Aquí se la ve todo el tiempo de kimono, un lindo detalle.

jueves, abril 14

Fleurs du mal (BAFICI)

Aquí hay tres mini historias:

Una. Googlear cualquier palabra nos conecta con un mundo de posibilidades y conocimientos nuevos, también podemos conocer un país o a una persona. A través de las redes sociales, especialmente Youtube y Twitter, Anahita y Gecko descubren los mundos de donde vienen.

Dos. Una crítica severa a los sistemas autoritarios y la represión a jóvenes y mujeres, a través de imágenes reales de las elecciones presidenciales de Irán en 2009.

Tres. Una historia de amor entre dos jóvenes con tradiciones e intereses muy diferentes que se sobrepone a cualquier hecho. La combinación perfecta entre alegría y tristeza, sosiego y desesperanza. El yin y el yang de la ópera prima del húngaro David Dusa.

Fleurs du mal, protagonizada por Rachid Youcef y Alice Belaidi, muestra la línea sutil que divide la ilusión del desaliento. Dusa combina el romance entre dos jóvenes que recién se conocen con imágenes crudas y violentas de los conflictos sociales del medio oriente.

Gecko es un chico que practica parkour, o “l'art du déplacement”. Anahita es una estudiante iraní que es enviada por su familia a París mientras pasan las revueltas en la Universidad de Teheran. Gecko trabaja en un hotel, baila y viaja. Anahita vive atormentada por lo que sucede con sus amigos en Irán. En estos términos se entienden los personajes…

Aquí hay tres cosas que me encantaron de la película:

Una. El nickname de Anahita es Miss Dalloway, como el famoso personaje de Virginia Woolf.

Dos. Este mini diálogo:
Anahita: Tu ignorancia es tu debilidad.
Gecko: No, es mi libertad.

Tres. El recurso del poemario de Baudelaire, Fleurs du mal, del cual uno de sus poemas dice -más o menos- así:

El Enemigo
Mi juventud no fue sino una tenebrosa tormenta,
Atravesada aquí y allá por brillantes soles;
El rayo y la lluvia han causado tal estrago
Que en mi jardín quedan muy pocos frutos bermejos.
He aquí que he alcanzado el otoño de las ideas,
Y que es preciso usar la pala y el rastrillo
Para reunir de nuevo las tierras inundadas,
Donde el agua abre agujeros tan grandes como tumbas.
¿Y quién sabe si las flores nuevas con que sueño
encontrarán en este suelo deslavazado como un arenal
el místico alimento que les daría vigor?
-¡Oh, dolor!, ¡oh, dolor! El tiempo se come la vida
y el oscuro Enemigo que nos roe el corazón
crece y se fortalece con la sangre que perdemos.
  

La vida útil (BAFICI)

La vida útil, dirigida por el uruguayo Federico Veiroj, es una de las películas más votadas por el público del BAFICI. Su argumento es genial. Es divertida y está hecha en video pero con toda la estética del cine negro de los 50.

En principio, podría funcionar bien como un documental sobre la Cinemateca de Uruguay, pero no. En medio de la difícil situación que tiene que atravesar un grupo de empleados ante el inminente cierre de la Cinemateca, se destaca el personaje de Jorge, programador, proyectista, locutor, técnico, obrero y más…, que tiene 25 años trabajando en el lugar. Jorge se despoja de sus fantasmas y decide por una nueva vida fuera de la sala de proyecciones.

Dice la reseña del BAFICI: “Federico Veiroj traza un recorrido donde la cinefilia no tiene la mirada anclada en el pasado, sino que se reinventa para crear un futuro posible, tal vez más próspero, pero seguro más vital.”

La vida útil está hecha con elementos mínimos y buena fotografía, aunque muchos pudieran ver un desfase en escenas muy a lo film noir donde de repente aparece una computadora o un Chevrolet Fiesta.
 

martes, abril 12

Autorretrato sonoro (BAFICI)

Este es un mediometraje grabado en blu-ray. Realmente tiene que tener muy buena tecnología para lograr lo que logró. La combinación de los sonidos de la naturaleza con instrumentos musicales. A mi amiga Fedora le pareció una “invasión” a lo natural.

Dirigida por Manongo Mujica, un músico peruano que comienza a incursionar en el cine, Autorretatro sonoro es una especie de video musical zen. La propuesta de Mujica es mostrar el resultado de una búsqueda espiritual de 30 años que combina la música y el paisaje, así lo señaló en la presentación de la película.

Algo no cuadra en la película, quizás la combinación de elementos o personas fuera de contexto. Lo que sí es rescatable de Mujica es haber captado paisajes maravillosos de un Perú para muchos desconocidos.

Considero que una escena salva los 45 minutos de video: unos niños bailando en la plaza al ritmo de la percusión. Una plaza que puede ser la de cualquier pueblo del mundo.

Dos más dos
Se proyectaron con Autorretrato sonoro dos cortometrajes argentinos: La ciudad blanca y Del punto a la forma. El primero dirigido por Nicolás Rubio en los años 50 sobre las esculturas de Martin Blaszko. El segundo, la única incursión de Martin Blaszko en el cine, dirigido también en los años 50. Otro autorretrato.

18 Roughs (BAFICI)

Kijû Yoshida es uno de los directores homenajeados en esta 13 edición del BAFICI, y 18 Roughs, la única película que he visto de él, hasta ahora, es una obra maestra.

El director participó esa tarde en la proyección, acompañado de una de sus actrices principales, y compañera de vida, Mariko Okada; quien protagonizó sus seis llamados “anti-melodramas”.

Con toda su humildad, Yoshida habló sobre la difícil situación de Japón y la esperanza de una pronta recuperación. Además se mostró “preocupado” ante el hecho de que 18 Roughs, dirigida en 1963, gustara poco a la audiencia, debido a que no es una película “muy contemporánea”. Por el contrario, la película resultó más actual que cualquier otra.

18 Roughs es un análisis de las condiciones sociales y humanas de los obreros de la época. Un grupo de 18 campesinos son “trasladados” a la ciudad para trabajar en un astillero. Son jóvenes e inexpertos. Están hacinados en un galpón con pocas oportunidades de tener relaciones sociales. Se sienten inhumanos.

Es una película sobre la injusticia social, los derechos laborales, la inconformidad, la lealtad, la amistad y el amor. Tiene escenas memorables y diálogos rudos, pero con buenas dosis de humor.

En las referencias a la película dice que “fuera por demasiado extravagante o por demasiado adelantado a su época, este film pasó completamente inadvertido en el momento de su estreno y sólo hace poco fue reconsiderado”

Vi la primera película de Yoshida con mi amigo JR. Ambos quedamos encantados ante los encuadres y el manejo de la luz de las escenas. JR quedó fascinado con el personaje que interpreta Akemi Negishi… pensamos que era la actriz que estaba en la sala acompañando a Yoshida, pero no. Mala suerte para mi amigo.
 

sábado, abril 9

A letter to Elia (BAFICI)

Comencé el Bafici con buen pié: A letter to Elia, es un documental dirigido por Kent Jones y Martin Scorsese en el que este último cuenta lo importante e influyente que fue el cine de Elia Kazan en su crecimiento como director.

Dice en la sinopsis oficial que el filme “es más una carta de amor a un viejo maestro que un documental sobre la historia de un cineasta”, y así es, pues la narración de Scorsese está llena de sentimentalismos y admiración.

Cuando Scorsese quiso conocer a Kazan, por los años 60, ya había visto muchas veces los personajes y actores de las películas que lo habían influenciado de manera directa: La ley del silencio (1954), con Marlon BrandoAl este del edén (1955), el primer rol protagónico de James Dean; y América, América  (1963) basada en la historia de la familia inmigrante de Kazan, en la Scorsese se reconoció inmediatamente.

“Quizás se comprende más de la obra que del hombre”, dijo Martin Scorsese.

Con relatos y escenas de éstos y otros filmes del director griego, y las observaciones técnicas y emotivas de Scorsese, el documental se conjuga como un homenaje de un maestro a otro.

Ambos, inmigrantes que vieron en el nuevo mundo la tierra prometida, comparten una incertidumbre: ¿En qué clase de persona debe convertirse un director de cine?

viernes, abril 8

La magia de Sylvain Chomet

Quizás a alguno de ustedes queridos lectores le pasó lo mismo que a mí con las películas de Sylvain Chomet.

Primero vi Las trillizas de Belleville ¡Adorable!... pero busco esa alegría de las viejas cantantes come-ranas en cada una de sus películas. Me pasó con L'illusionniste y ahora con La vieille dame et les pigeons.

La anciana y las palomas es un cortometraje que Chomet dirigió en 1998 - la primera de sus cinco películas incluyendo el corto "Tour Eiffel" en París, je t´aime- con ese dibujo tan característico que lo identifica. Las ambientaciones parisinas no escapan a la belleza de sus tramas, alegres o no.

Es la historia de un guardia que ha quedado sin trabajo y se muere de hambre. Vive de las sobras que van dejando los turistas en los parques de París. Un día encuentra a una anciana que alimenta palomas, y entonces decide convertirse en una de ellas…

Es una historia muy divertida, pero de trasfondo toca un tema profundo y actual. Especialmente la mirada que da Chomet a los turistas gringos.

Vale la pena verla, son 25 minutos de calidad audiovisual.

Música y cine para enamorarse

En temporadas de premios Oscar, mucha gente recuerda esta película porque ganó mejor canción original en 2008. Este mes de marzo, la vi unas dos veces en TNT, hoy la recordé y la volví a ver. A veces no me conformo con escuchar a Glen Hansard y Markéta Irglová juntos en mi reproductor de música, también me gusta verlos.

Ambos son músicos irlandeses y protagonistas de Once, escrita y dirigida por John Carney.

La película se basa en la corta e intensa temporada que comparten dos personas solitarias que se conocen en las calles de Dublin. Él es un músico de la calle que busca cumplir su sueño y grabar un disco. Ella una chica sencilla, inmigrante, que espera regresar al amor. La música va contando esta historia mágica y cautivadora.

Glen Hansard y Markéta Irglová habían trabajado antes juntos como músicos. De hecho Irglová –reconocida cantante checa- colaboró con Glen en su primer sencillo The Swell Season, grabado en 2006. Así que no fue difícil llevar ese felling a la pantalla.

Mi amigo Diego se inspiró en esta película para dirigir su primer cortometraje basado en la vida de los músicos que trabajan en los subterráneos de Buenos Aires: Música al ras de la tierra. Luego postearé este documental que está muy bueno… por ahora un regalito de la dupla maravillosa Hansard-Irglová.

… para enamorarse esta noche.

martes, marzo 29

Shinigamis al acecho

En un Japón violento e inseguro, Light Yagami encuentra en el suelo un extraño cuaderno en cuya portada se lee "Death Note" y en su interior vienen escritas una serie de normas; los nombres de todas las personas escritas en esa libreta, morirán. Cuando Light comprueba la eficacia de la Death Note asume el nombre de Kira y –siendo el chico más inteligente de todo Japón- decide usarla para limpiar el mundo de criminales. Debido a las numerosas muertes de criminales sin explicación, la policía empieza a sospechar y pide ayuda a un detective conocido como L, que intentará desvelar la identidad de Kira, antes que éste pueda matarlo.

Las Death Note son libretas de la muerte que los Shinigamis, dioses de la muerte, dejan caer a la tierra para divertirse un poco…

Death Note (Desu nôto) es una serie animada japonesa maravillosa. En tres días vi los 37 capítulos divididos en dos temporadas. Luego, me animé a ver las películas adaptadas a imagen real.

Death Note y Death Note: The Last Name están dirigidas por Shusuke Kaneko. Al estilo Kill Bill, la trama se desarrolla en dos entregas que fueron estrenadas en el mismo año, 2006. Hay una tercera película, L: Change the World, pero está fuera de la historia original del anime homónimo de Toshiki Inoue.

Como toda adaptación, las películas pretenden ser fieles al animado. La primera lo es, tanto que aburre. Pero en Detah Note: The last name, Kaneko utiliza recursos alternos a la historia para lograr la adaptación, haciéndola más atractiva.

En 2008 Hollywood lanzó su libreta de la muerte protagonizada por Jesse Spencer, Cillian Murphy y Evan Rachel Wood, pero no se sabe mucho de ella.

Death Note no es una historia sobre dioses de la muerte ni superhéroes anónimos. Por el contrario, el bien y el mal se conocen y se enfrentan utilizando su inteligencia. Es una guerra de intelectos. Más interesante aún: se muestra el poder de los medios de comunicación que controlan y manipulan a su antojo. Acertijos, mentes brillantes, dioses del más allá que se asombran ante la vanidad del ser humano, mafia, poder… de todo hay en esta historia.

El animé, ilustrado por Takeshi Obata, es superior a las películas. De eso no cabe duda.

En estas noches le conté a mi amigo R. que la serie Death Note me había atrapado, que después de verla –y ver las películas- soñaba con Shinigamis. Salimos a caminar y miré una vitrina ¡susto! ahí estaba Ryuk, un Shinigami en diminuto plástico. Al rato miré un grupo de gente y alguien llevaba un bolso con la L arábica que simboliza al detective L

Algo está pasando. Alguna señal debe ser. Quizás mi Shinigami está por llegar.

sábado, marzo 26

Kurosawa, el visionario

Yume (Sueños) es la película más aclamada de Kurosawa. Es una metáfora sobre los problemas sociales que más le preocuparon al director toda su vida. Estrenada en 1990, pasó a formar parte del cine de culto y referencia primera de las 33 películas del director japonés. Es mi película preferida, de todas las que he visto en mi vida.

Sobre Los sueños de Akira Kurosawa hay mucha información. Se dice que es una película majestuosa a pesar de la precariedad de los efectos especiales, que es de un gusto particular que solo podrá ser apreciada por aquellos que miran el cine desde otro lugar más íntimo.

Las leyendas japonesas, desconocidas en este mundo occidental, se convierten en parábolas para enseñarnos una mejor manera de vivir. La guerra, los desastres naturales, la muerte son temas tratados con una delicadeza insuperable.

Dreams se estructura en ocho cortos donde el protagonista evoluciona con los cambios socioculturales que sufrió Japón a lo largo de todo un siglo.
  1. La luz del sol a través de la lluvia. Está basado en una leyenda que dice que cuando el sol está brillando a través de la lluvia, los zorros celebran sus bodas.  
  2. El huerto de los duraznos. Hina Matsuri, la fiesta de la muñeca, tiene lugar tradicionalmente en primavera, cuando las flores de durazno están en pleno florecimiento. Este corto es una poesía visual. Mi preferido.
  3. La tormenta de nieve. Una diosa japonesa, salvará a un grupo de montañistas que lucha en un sendero de una montaña contra una tormenta de nieve. 
  4. El túnel. Es de terror este corto. Un oficial del ejército viaja por un camino desolado al anochecer, de regreso de la guerra. Es un enfrentamiento con la muerte. 
  5. Cuervos. En esta viñeta colorida, Martin Scorsese hace el personaje de Vincent Van Gogh. Un viaje alucinante por la obra del pintor. 
  6. El Monte Fuji en rojo. Es la segunda pesadilla. Una explosión de un central nuclear cerca del Monte Fuji hace que la gente huya por miedo a la radiación. Kurosawa era un visionario. 
  7. El ogro llorón. La tercera pesadilla con un mensaje directo: un demonio explica que ha estado en un holocausto nuclear que acabó con el mundo tal como se conocía. Sí, Kurosawa era un visionario. 
  8. El pueblo de los molinos de agua. El final, la utopía. Los habitantes de un pequeño pueblo decidieron renunciar a la contaminación que produce la tecnología. Optan por su salud física y espiritual. Las personas celebran con alegría la vida y la muerte natural.
El mayor mérito de Sueños es el uso del color. La presentación en cortos, y la dirección de Kurosawa que hace que pensemos estos sueños como una realidad.

¿Visionario? No lo sé. ¿Actual? Definitivamente.

Veamos "El Monte Fuji en rojo":

La vida seguirá su curso, como el río al que tanto recurre Kurosawa.
Carpe diem
  

miércoles, marzo 23

De Trono de sangre y otras kurosawadas

A pesar de que Kurosawa es uno de mis directores favoritos, no había hecho referencia a ninguna de sus películas en este blog.

En una onda de rescatar los grandes directores de mi filmoteca personal, aprovecharé estos días feriados para ver varios de sus trabajos. Trono de sangre (Kumonosu-jô), de 1957, es uno de mis preferidos.

Hace un tiempo escribí este mini ensayo para publicarlo por otros medios. Hoy, aprovecho mi nuevo recorrido por Kurosawa y lo comparto con ustedes:

Algunos dicen que Akira Kurosawa es el director más shakesperiano de la historia del cine. También es cierto que William Shakespeare es el dramaturgo con más obras llevadas a la gran pantalla. Kurosawa- Shakespeare es una combinación perfecta que sirvió para llevar las traiciones de la corona inglesa a una batalla entre samuráis desarrollada en el Japón feudal. Trono de Sangre (Japón, 1957) está dirigida por Kurosawa y basada en el Macbeth que Shakespeare escribiera en 1606.

En Trono de Sangre, Kurosawa le da vida a Macbeth a través del personaje de Washizu, interpretado por Toshiro Mifune, uno de los actores más fieles al director japonés. Juntos hicieron 15 películas de las 47 que dirigió el maestro.

Washizu es un hombre atormentado por fantasmas, que no habría pensado en llegar al poder, de no ser por la insistencia de su mujer, Asaji. La ambición insaciable del guerrero digno y orgulloso lo lleva hasta la locura. Kurosawa pone en pantalla el declive psicológico de Washizu y su mujer por medio de contrastes en blanco y negro que van descubriendo a los personajes. “¿Acaso existe algún samurai que no querría convertirse en el señor de un castillo?” pregunta Washizu a su mejor amigo Miki como una sentencia de lo que está por venir: una lucha desleal que llevará a muchos a la desgracia.

Como espectadores, Kurosawa se encarga de “internarnos” y “sacarnos” de las escenas a su antojo. Por momentos estamos fuera de escena, más bien escondidos, como cuando los guerreros están perdidos en el Bosque de las Telarañas, y los seguimos entre los matorrales hasta un lugar de donde no podemos movernos, pero al que ellos regresan. Otras veces estamos dentro de la habitación de Asaji y sentimos también el temor a la muerte.

El director sabe cómo manejar las tormentas, las sombras, el día y la noche para introducirnos en el mundo desgraciado y traidor del Castillo de Washizu. Fiel a Shakespeare, Kurosawa mantiene los conceptos de pesadilla, noche y espanto. Ya lo hemos visto en otras de sus películas. En Sueños (1990), por ejemplo, maneja con sobriedad el concepto del espanto. En el episodio “El Túnel” un comando de soldados muertos sigue al hombre que los llevó a la muerte, dando una idea de pesadilla mejor lograda que en el episodio de “El demonio lastimero”. Igualmente, en Rashomon (1950), un drama sobre la mentira, un “muerto” que habla desde el más allá, es uno de los interrogados para descubrir el misterio que envuelve un asesinato. Aquí, todos mienten, incluso la víctima. Rashomon es una mentira disfrazada de egoísmo y traición. En medio de una lluvia torrencial y las ruinas de la puerta de Rashomon, la frase de un monje derrotado es la sentencia de ese concepto de pesadilla de Kurosawa: “después de lo que he visto, no creo que pueda confiar en nadie nunca más.”

En el caso de Trono de sangre, Kurosawa cambia a las tres brujas de Macbeth por un espanto que hila en una choza, en la que se mezclan una serie de símbolos relacionados con la vida y la muerte. El juego de luces es crucial para enfatizar la presencia de lo sobrenatural y el miedo.

La narración anticipa la idea de la desgracia que se aproxima. Juega con los tiempos y pasamos de un momento a otro de manera muy veloz. Asimismo, la neblina es fundamental para marcar tiempos y espacios. El lenguaje cinematográfico cuida cada detalle para buscar sensaciones similares a las que se experimentan al leer la obra.

Trono de sangre es una de las representaciones cinematográficas mejor logradas de la obra de Shakespeare. Incluso la puesta anterior de la novela, dirigida por Orson Wells en 1948, fue muy criticada por Kurosawa, por lo que adaptó una propuesta distinta, a lo “samurai”. En la novela, Macbeth será invencible hasta que venga contra él “la selva de Briman”. Morirá a manos de un hombre “no nacido de mujer”. En la versión de Kurosawa, Washizu morirá “cuando el bosque camine”.