martes, abril 26

Country a lo Gwyneth Paltrow

Country strong es una de esas películas que parecen hechas para vender un soundtrack. Es el segundo largometraje de Shana Feste.

Gwyneth Paltrow hace el papel de Kelly Canter, una cantante de country atormentada por su pasado pero con mucho talento.

Se trata de dos historias de amor, la de Kelly y su esposo James, y la de los novatos Chiles Stanton (Leighton Meester) y Beau Hutton (Garrett Hedlund) Una gira los une a los cuatro. Los conciertos, enredos románticos y los viejos demonios acechan para destruirlos a todos.

Sin duda alguna Garrett Hedlund se roba las cámaras con su look de galán tejano inspirado en el cantante y compositor Henos Carll, quien además escribió varias de las canciones del soundtrack. Además de ser atractivo, tiene esa vos dulzona del country que a tantos gusta y, a otros, fastidia. La ventaja de Hedlund es que canta con pasión el country más tradicional, mientras que los otros personajes cantan country-pop. Así que al que no le guste mucho este género no se moleste en ver esta película donde se interpretan ¡38 canciones!

Por otra parte, el personaje de Kelly Canter me recordó mucho a Sylvia Plath, interpretada por Gwyneth en el 2003. Tanta belleza y angustia en un solo personaje, puede ser perturbador.

Igual que en Burlesque, con Cher y Christina Aguilera; en Country strong se demuestra que en la música -y en el cine-, las veteranas siguen siendo las que mandan.

“That's how it's done, sweetheart”, dice el personaje de Kelly Canter.

Parece que Gwyneth Paltrow quiere hacer carrera como cantante, quizás con Chris Martin en la familia no sea suficiente… para los que tienen dudas sobre sus dotes musicales, aquí va una muestra:

lunes, abril 25

El camino de Peter Weir

Peter Weir dirige películas desde finales de los años 60. De 29 títulos se destacan La sociedad de los poetas muertos (1989), The Truman Show (1998) y Master and Commander (2003).

En el 2010 se estrenó con The way back una odisea bélica protagonizada por Ed Harris, Colin Farrell y Jim Sturgess (Jude de Across the universo)

Son más de dos horas de angustias basadas en una historia real, que recuerdan a Viven (1993), aunque por momentos decae el interés. Un grupo de presos de un campo de trabajo de la Unión Soviética, junto con otros cuatro compañeros de cautiverio, huyen del gulag siberiano en el que están recluidos e inician un peligroso viaje a través de miles de kilómetros de terreno hostil tratando de llegar a la India. Guiados por la esperanza de alcanzar la libertad, deberán enfrentarse a las condiciones más adversas de sus vidas.

La historia es cautivante, pero la película no mueve mucho, parece que lo majestuosidad del paisaje se “come” la trama.

Sin embargo, las actuaciones de los protagonistas son excelentes, especialmente de Colin Farrell que aunque –sabemos- no le cuesta hacer del chico malo, aquí hace de un ser temible por todos. Farrell solo actúa en una parte de la película, y es suficiente.

También, tomen en cuenta la actuación de Saoirse Ronan la aclamada actriz de Expiación.

La pandilla de Jean-Pierre Jeunet

Vuelve la pandilla única de Jean-Pierre Jeunet. Dany Boon, Yolande Moreau, Julie Ferrier y Dominique Pinon, entre otros, protagonizan la nueva comedia de director francés: Micmacs à tire-larigot (2009).

“Primero fue una mina que explotó en medio del desierto de Marruecos. Años más tarde, era una bala perdida que se alojó en su cerebro... Bazil no tiene mucha suerte con las armas. El primero lo convirtió en un huérfano, el segundo lo tiene al borde de la muerte súbita, instantánea. Fue puesto en el hospital después de su accidente, Bazil no tiene hogar. Por suerte, nuestro soñador de gentil talante es rápidamente acogido por un grupo variopinto que le mostrará un mundo que nunca antes había imaginado.”

Aunque la sinopsis no dice mucho, la película gira en torno a una dulce venganza y, mucho más allá, lanza un alerta al mudo de las armas, sus empresas y sus empresarios.

Nominada a tres premios César, Micmacs, un gran follón resulta una mezcla de suspenso y comicidad. La han denominado thriller-comedia. Con mucha creatividad y suerte los pandilleros logran su cometido, más que la venganza, una buena película. El cine de Jean-Pierre Jeunet que hace feliz.

Lo de “gran follón” nunca lo entendí. ¡Alguien que me lo explique por favor!
 

martes, abril 19

Essential Killing (BAFICI)

Este héroe no dice palabra alguna, no sabemos su nombre, y es difícil llamarlo “héroe”  considerando lo que es capaz de hacer. Lo cierto es que es un personaje difícil de olvidar. Especialmente, por la interpretación memorable de Vincent Gallo.

Essential Killing, dirigida por el veterano Jerzy Skolimowski, es una coproducción entre Polonia, Noruega, Irlanda y Hungría.

Dice parte de la reseña del BAFICI: “La acción comienza en las montañas afganas, donde un guerrillero talibán es descubierto y capturado por fuerzas occidentales. Torturado e interrogado por los militares, es trasladado a una de las bases de máxima seguridad que EE.UU. tiene en el este de Europa. El resto de la película narra la fuga desesperada del guerrillero a través de un bosque nevado”.

No caben discusiones políticas ni filosóficas sobre talibanes, soldados norteamericanos, bases, prisioneros, etc. Essential Killing se justifica en la actuación impecable de Gallo, en el argumento definido por la huida y las reacciones humanas, en la fotografía y las secuencias de acción, en la constante angustia.

Skolimovski construye el drama a partir de un hecho actual, pero la carga de simbolismos  que contiene Essential Killing da para cualquier contexto.

Definitivamente, lo mejor que vi en BAFICI 2011.

Para muestra, un botón…


 

Harisma (BAFICI)

Mauricio me felicitó por la elección. A Fedora le pareció una “divertida película dominguera”, mientras que JR la encontró llena de clichés –especialmente el antihéroe como galán-. Es Harisma, la ópera prima de Christina Ioakeimidi.

Ismini (Vaso Kavalieratou) tiene treinta y pico. Tiene un novio, pero ese novio no es todo para ella. Es maestra, y además cuida a un nene, que la quiere, pero ella no es la madre. Ismini es bella y delicada, pero su vida emocional es frágil. Haris (Efthymis Papadimitriou) es un chofer simplón con un físico no especialmente agraciado. Pero sonríe, tiene temple de acero emocional y es de lo más persistente que se pueda encontrar”. Esta es la reseña del BAFICI.

Se trata de una comedia romántica griega que, seguramente, está llena de clichés -como casi todo el género-, sólo que Harisma suma más sexo explícito que la típica historia de amor.

Rescato una que otra escena de neurosis de los personajes, pero me causa ruido el énfasis de la violencia masculina. Esa “cosa antropológica” de ejercer poder sobre la mujer.

Aunque me reí con varias escenas, y reflexioné en otras más de típica treintañera, me pasó lo mismo que con otras comedias románticas europeas… la sentí vacía, como que algo le faltó. Predecible de principio a fin.

Fedora tiene razón, es una película "divertida dominguera".

domingo, abril 17

William S. Burroughs: A Man Within (BAFICI)

Se dice que William S. Burroughs es una de las figuras más transgresoras de la literatura universal y que su escritura es inclasificable. Es difícil definir por cuál razón es más conocido: por ser pionero de la literatura gay después de la publicación de su libro Naked lunch; por haber iniciado la generación BEAT, por asesinar a su esposa mientras ambos estaban drogados, por ser reconocido como el padre del punk, o cualquier otra anécdota.

Lo cierto es que es un personaje muy rico para contar una historia. El norteamericano Yony Leyser lo hizo bien dirigiendo William S. Burroughs: A Man Within.

El documental presentado en la sección Arte y Aparte del BAFICI entrelaza diversos aspectos de la vida de Burroughs: su homosexualidad, las armas, las drogas, la música, la relación con su hijo y su incursión, menos conocida, en el mundo de las artes plásticas. Se trata de un anecdotario en el que sus amigos más cercanos cuentan detalles de su polémica vida.  

Burroughs siempre estuvo rodeado por reconocidos escritores, cineastas y músicos. Es agradable ver en el documental los rostros y opiniones de Patti Smith, Allen Ginsberg, Iggy Pop, Amiri Baraka, David Cronenberg, Bono, Sting, Kurt Cobain, Gus Van Sant, entre muchos otros. Mención aparte merece el actor y director John Waters, quien funge de hilo conductor del documental.

Para conocer más este personaje, los remito a un artículo interesante: El universo extremo y delirante de William S. Burroughs.

Buena elección de mi amigo Juan Cruz… los poster de esta entrada también son de su elección.
 

sábado, abril 16

The Affair (BAFICI)

Kijû Yoshida dice que su cine es el “anti-cine”. Sus dramas son “anti-melodramas”. Por eso la trama de The Affair parece más una telenovela mexicana que una historia de amor japonesa.

“La estoica Oriko, avergonzada de pequeña por las relaciones licenciosas de su madre con amantes más jóvenes –e incluso de menor clase social–, descubre de a poco su propia sexualidad y se descubre siguiendo los pasos de su madre. El camino la lleva hasta los mismos hombres, aunque ella va a tomar decisiones diferentes”, se lee en la reseña del BAFICI.

Lo importante de The Affair no es el desenlace de la historia, llena de clichés y absurdos (tanto que mucha gente del público se reía), sino los detalles de la filmación.

Yoshida me cautivó con sus secuencias y manejos de luz en 18 roughs, y esos elementos característicos de su cine se aprecian también en The Affair. El detalle es lo más importante.

En una entrevista publicada en "Sin aliento", el periódico oficial del BAFICI, Yoshida dijo que “en la tradición de cine japonés (bueno, casi del cine todo), la mujer ha sido siempre un objeto. Pero siempre lo fue de una forma denigrante. Siempre se le asignó la responsabilidad materna o marital y se la privó de su libertad, de su voluntad. Y, obviamente, está el aspecto de construirla como un objeto sexual, la mujer mirada por los hombres. Intenté cambiar eso. Que fueran ahora las mujeres las que miraban a los hombres como objetos sexuales. Creo que  he triunfado en ese sentido. Al menos eso espero”.

The Affair fue filmada en 1967 y protagonizada por Mariko Okada. Además de ser la esposa de Yoshida, y representante del cine japonés de la década del 60, protagonizó 11 de sus películas. Aquí se la ve todo el tiempo de kimono, un lindo detalle.

jueves, abril 14

Fleurs du mal (BAFICI)

Aquí hay tres mini historias:

Una. Googlear cualquier palabra nos conecta con un mundo de posibilidades y conocimientos nuevos, también podemos conocer un país o a una persona. A través de las redes sociales, especialmente Youtube y Twitter, Anahita y Gecko descubren los mundos de donde vienen.

Dos. Una crítica severa a los sistemas autoritarios y la represión a jóvenes y mujeres, a través de imágenes reales de las elecciones presidenciales de Irán en 2009.

Tres. Una historia de amor entre dos jóvenes con tradiciones e intereses muy diferentes que se sobrepone a cualquier hecho. La combinación perfecta entre alegría y tristeza, sosiego y desesperanza. El yin y el yang de la ópera prima del húngaro David Dusa.

Fleurs du mal, protagonizada por Rachid Youcef y Alice Belaidi, muestra la línea sutil que divide la ilusión del desaliento. Dusa combina el romance entre dos jóvenes que recién se conocen con imágenes crudas y violentas de los conflictos sociales del medio oriente.

Gecko es un chico que practica parkour, o “l'art du déplacement”. Anahita es una estudiante iraní que es enviada por su familia a París mientras pasan las revueltas en la Universidad de Teheran. Gecko trabaja en un hotel, baila y viaja. Anahita vive atormentada por lo que sucede con sus amigos en Irán. En estos términos se entienden los personajes…

Aquí hay tres cosas que me encantaron de la película:

Una. El nickname de Anahita es Miss Dalloway, como el famoso personaje de Virginia Woolf.

Dos. Este mini diálogo:
Anahita: Tu ignorancia es tu debilidad.
Gecko: No, es mi libertad.

Tres. El recurso del poemario de Baudelaire, Fleurs du mal, del cual uno de sus poemas dice -más o menos- así:

El Enemigo
Mi juventud no fue sino una tenebrosa tormenta,
Atravesada aquí y allá por brillantes soles;
El rayo y la lluvia han causado tal estrago
Que en mi jardín quedan muy pocos frutos bermejos.
He aquí que he alcanzado el otoño de las ideas,
Y que es preciso usar la pala y el rastrillo
Para reunir de nuevo las tierras inundadas,
Donde el agua abre agujeros tan grandes como tumbas.
¿Y quién sabe si las flores nuevas con que sueño
encontrarán en este suelo deslavazado como un arenal
el místico alimento que les daría vigor?
-¡Oh, dolor!, ¡oh, dolor! El tiempo se come la vida
y el oscuro Enemigo que nos roe el corazón
crece y se fortalece con la sangre que perdemos.
  

La vida útil (BAFICI)

La vida útil, dirigida por el uruguayo Federico Veiroj, es una de las películas más votadas por el público del BAFICI. Su argumento es genial. Es divertida y está hecha en video pero con toda la estética del cine negro de los 50.

En principio, podría funcionar bien como un documental sobre la Cinemateca de Uruguay, pero no. En medio de la difícil situación que tiene que atravesar un grupo de empleados ante el inminente cierre de la Cinemateca, se destaca el personaje de Jorge, programador, proyectista, locutor, técnico, obrero y más…, que tiene 25 años trabajando en el lugar. Jorge se despoja de sus fantasmas y decide por una nueva vida fuera de la sala de proyecciones.

Dice la reseña del BAFICI: “Federico Veiroj traza un recorrido donde la cinefilia no tiene la mirada anclada en el pasado, sino que se reinventa para crear un futuro posible, tal vez más próspero, pero seguro más vital.”

La vida útil está hecha con elementos mínimos y buena fotografía, aunque muchos pudieran ver un desfase en escenas muy a lo film noir donde de repente aparece una computadora o un Chevrolet Fiesta.
 

martes, abril 12

Autorretrato sonoro (BAFICI)

Este es un mediometraje grabado en blu-ray. Realmente tiene que tener muy buena tecnología para lograr lo que logró. La combinación de los sonidos de la naturaleza con instrumentos musicales. A mi amiga Fedora le pareció una “invasión” a lo natural.

Dirigida por Manongo Mujica, un músico peruano que comienza a incursionar en el cine, Autorretatro sonoro es una especie de video musical zen. La propuesta de Mujica es mostrar el resultado de una búsqueda espiritual de 30 años que combina la música y el paisaje, así lo señaló en la presentación de la película.

Algo no cuadra en la película, quizás la combinación de elementos o personas fuera de contexto. Lo que sí es rescatable de Mujica es haber captado paisajes maravillosos de un Perú para muchos desconocidos.

Considero que una escena salva los 45 minutos de video: unos niños bailando en la plaza al ritmo de la percusión. Una plaza que puede ser la de cualquier pueblo del mundo.

Dos más dos
Se proyectaron con Autorretrato sonoro dos cortometrajes argentinos: La ciudad blanca y Del punto a la forma. El primero dirigido por Nicolás Rubio en los años 50 sobre las esculturas de Martin Blaszko. El segundo, la única incursión de Martin Blaszko en el cine, dirigido también en los años 50. Otro autorretrato.

18 Roughs (BAFICI)

Kijû Yoshida es uno de los directores homenajeados en esta 13 edición del BAFICI, y 18 Roughs, la única película que he visto de él, hasta ahora, es una obra maestra.

El director participó esa tarde en la proyección, acompañado de una de sus actrices principales, y compañera de vida, Mariko Okada; quien protagonizó sus seis llamados “anti-melodramas”.

Con toda su humildad, Yoshida habló sobre la difícil situación de Japón y la esperanza de una pronta recuperación. Además se mostró “preocupado” ante el hecho de que 18 Roughs, dirigida en 1963, gustara poco a la audiencia, debido a que no es una película “muy contemporánea”. Por el contrario, la película resultó más actual que cualquier otra.

18 Roughs es un análisis de las condiciones sociales y humanas de los obreros de la época. Un grupo de 18 campesinos son “trasladados” a la ciudad para trabajar en un astillero. Son jóvenes e inexpertos. Están hacinados en un galpón con pocas oportunidades de tener relaciones sociales. Se sienten inhumanos.

Es una película sobre la injusticia social, los derechos laborales, la inconformidad, la lealtad, la amistad y el amor. Tiene escenas memorables y diálogos rudos, pero con buenas dosis de humor.

En las referencias a la película dice que “fuera por demasiado extravagante o por demasiado adelantado a su época, este film pasó completamente inadvertido en el momento de su estreno y sólo hace poco fue reconsiderado”

Vi la primera película de Yoshida con mi amigo JR. Ambos quedamos encantados ante los encuadres y el manejo de la luz de las escenas. JR quedó fascinado con el personaje que interpreta Akemi Negishi… pensamos que era la actriz que estaba en la sala acompañando a Yoshida, pero no. Mala suerte para mi amigo.
 

sábado, abril 9

A letter to Elia (BAFICI)

Comencé el Bafici con buen pié: A letter to Elia, es un documental dirigido por Kent Jones y Martin Scorsese en el que este último cuenta lo importante e influyente que fue el cine de Elia Kazan en su crecimiento como director.

Dice en la sinopsis oficial que el filme “es más una carta de amor a un viejo maestro que un documental sobre la historia de un cineasta”, y así es, pues la narración de Scorsese está llena de sentimentalismos y admiración.

Cuando Scorsese quiso conocer a Kazan, por los años 60, ya había visto muchas veces los personajes y actores de las películas que lo habían influenciado de manera directa: La ley del silencio (1954), con Marlon BrandoAl este del edén (1955), el primer rol protagónico de James Dean; y América, América  (1963) basada en la historia de la familia inmigrante de Kazan, en la Scorsese se reconoció inmediatamente.

“Quizás se comprende más de la obra que del hombre”, dijo Martin Scorsese.

Con relatos y escenas de éstos y otros filmes del director griego, y las observaciones técnicas y emotivas de Scorsese, el documental se conjuga como un homenaje de un maestro a otro.

Ambos, inmigrantes que vieron en el nuevo mundo la tierra prometida, comparten una incertidumbre: ¿En qué clase de persona debe convertirse un director de cine?

viernes, abril 8

La magia de Sylvain Chomet

Quizás a alguno de ustedes queridos lectores le pasó lo mismo que a mí con las películas de Sylvain Chomet.

Primero vi Las trillizas de Belleville ¡Adorable!... pero busco esa alegría de las viejas cantantes come-ranas en cada una de sus películas. Me pasó con L'illusionniste y ahora con La vieille dame et les pigeons.

La anciana y las palomas es un cortometraje que Chomet dirigió en 1998 - la primera de sus cinco películas incluyendo el corto "Tour Eiffel" en París, je t´aime- con ese dibujo tan característico que lo identifica. Las ambientaciones parisinas no escapan a la belleza de sus tramas, alegres o no.

Es la historia de un guardia que ha quedado sin trabajo y se muere de hambre. Vive de las sobras que van dejando los turistas en los parques de París. Un día encuentra a una anciana que alimenta palomas, y entonces decide convertirse en una de ellas…

Es una historia muy divertida, pero de trasfondo toca un tema profundo y actual. Especialmente la mirada que da Chomet a los turistas gringos.

Vale la pena verla, son 25 minutos de calidad audiovisual.

Música y cine para enamorarse

En temporadas de premios Oscar, mucha gente recuerda esta película porque ganó mejor canción original en 2008. Este mes de marzo, la vi unas dos veces en TNT, hoy la recordé y la volví a ver. A veces no me conformo con escuchar a Glen Hansard y Markéta Irglová juntos en mi reproductor de música, también me gusta verlos.

Ambos son músicos irlandeses y protagonistas de Once, escrita y dirigida por John Carney.

La película se basa en la corta e intensa temporada que comparten dos personas solitarias que se conocen en las calles de Dublin. Él es un músico de la calle que busca cumplir su sueño y grabar un disco. Ella una chica sencilla, inmigrante, que espera regresar al amor. La música va contando esta historia mágica y cautivadora.

Glen Hansard y Markéta Irglová habían trabajado antes juntos como músicos. De hecho Irglová –reconocida cantante checa- colaboró con Glen en su primer sencillo The Swell Season, grabado en 2006. Así que no fue difícil llevar ese felling a la pantalla.

Mi amigo Diego se inspiró en esta película para dirigir su primer cortometraje basado en la vida de los músicos que trabajan en los subterráneos de Buenos Aires: Música al ras de la tierra. Luego postearé este documental que está muy bueno… por ahora un regalito de la dupla maravillosa Hansard-Irglová.

… para enamorarse esta noche.